Las Ventajas de Ser Invisible y las personas que te ayudan a salir de tu terrible existencia.

“¿Por qué la gente buena siempre se fija en la gente mala? Porque creen que es el amor que merecen” 

Siento una terrible adicción por las cintas de corte independiente, la mayoría que transpira ese aire indie me suele enganchar. Recuerdo perfectamente cuando Donnie Darko me robó el corazón con su trama pesimista y sus entonces desconocidos protagonistas, además de su grandioso soundtrack; tiempo después apareció Juno, cinta que tomaba una historia que en manos de algún otro director hubiera sido lo que cualquiera hubiera pensado sobre una adolescente embaraza, sin embargo fue todo lo contrario, Juno, fue una bocanada de aire fresco en las cintas de comedia adolescente y qué además aportó uno de los mejores soundtracks que he escuchado. Podría seguirle así con el conteo de cintas de corte independiente, pero el punto es otro. Las Ventajas de Ser Invisible es la Juno del 2012. 

La película se centra en Charlie (Logan Lerman) un jovencito que escribe una serie de cartas a una persona sin identificar en las que aborda temas como la amistad, los conflictos familiares, las primeras citas, el sexo o las drogas. El protagonista tendrá que hacer frente a su primer amor (Emma Watson), el suicidio de su primer amigo y su propia enfermedad mental, mientras lucha por encontrar al grupo de personas a las que él pertenece. 

Desconozco la obra en la que se basa la cinta, pero me da la confianza que el director Stephen Chbosky sea quien adapte su propia novela, ya que él sabe que es bueno dejar y qué eliminar para mantener la esencia del libro. 

Lejos de tratarse de una cinta del montón sobre la soledad de un joven inadaptado, Las Ventajas…toma cada uno de los clichés de la obra y los hace completamente suyos, tomando una posición de empatía con cada uno de los personajes. Tenemos al inteligente inadaptado interpretado por Logan Lerman, quien realiza una actuación muy acertada, salvo que en ocasiones se pasa de inocente, sin embargo, Lerman toca fibras dentro de muchas personas –me inlcuyo-- que no necesariamente tuvieron que pasar por algo similar a él, sencillamente es algo que enmarca la soledad cuando entras a un nuevo círculo social, nueva ciudad o la típica nueva escuela, son las ganas de ser tomados en cuenta dentro de una sociedad y fuera de nuestras familias. 

Emma Watson siempre será Hermione de Harry Potter, pero jamás se quedará opacada por ese papel, Watson fácilmente se deshace del papel que le dio la fama y nos da una actuación repleta de simpatía y llena de matices lo que nos dice que será una actriz sin encasillar –por alguna extraña razón me recuerda a Natalie Portman--. Apoyando al ‘perdedor’ protagonista aparece el simpático personaje interpretado por el grandioso, aterrador, fascinante, Ezra Miller, aquel muchacho que interpretó al demonio de mamá en Tenemos Qué Hablar de Kevin, se roba la película en cada toma que aparece, su personaje que reprime ante la sociedad su homosexualidad, no hace más que tomar a la ligera toda esa represión y rechazo para sacarlo de otra manera mediante bromas o ya sea, mediante su papel del Dr. Frank-N-Furter en The Rocky Horror Picture Show; tenemos que mantener la atención en Miller, su carrera promete mucho. 

Los personajes principales son personas que te puedes topar en cualquier lugar, personas que sólo buscan adaptarse a la sociedad y salir juntos todas las etapas de la vida, y este grupo de invisibles no es más que un grupo de rechazados que buscan su lugar dentro de la crueldad que implica en muchas ocasiones la escuela –bullying entre ellos--. 

Anteriormente había dicho que Las Ventajas…es la Juno del 2012, y en efecto, su soundtrack tiene la misma condición y los mismos productores. Dentro de la excelente selección de temas se pueden escuchar a The Smiths con Aslepp, David Bowie con Heroes , New Order con Temptation y bandas tan indie como Galaxie 500. Un magnífico soundtrack por personas que tienen “un exquisito gusto musical” como diría Sam el personaje de Emma Watson. 

En The Perks Of Being a Wallflower se tocan temas típicos de la adolescencia, las drogas tienen su momento, pero no es una prioridad, la exploración de la sexualidad también tiene su lugar sin ser el tema central, la baja autoestima y hasta el suicidio; la cinta incluye todo aquello que se encuentra en la cultura popular de la preparatoria para meternos en que lo invaluable de la vida son esas personas que encuentras en el camino y te sacan de los problemas; aquellos que te buscan en la mañana cuando la noche anterior les dijiste que desaparecieran, esos son los que sacuden tu aburrida existencia. 

La cinta será recordada por su excelente cast y sus inmejorables frases que se quedan plasmadas por su simpleza e infinita verdad. “¿Por qué la gente buena siempre se fija en la gente mala? Porque creen que es el amor que merecen” le dice el maestro a Charlie el protagonista. O la emotiva frase de Ezra Miller al protagonista “ves cosas, entiendes, eres invisible” refiriéndose a la nula popularidad de Charlie. 

Una cinta que no pretende dar respuestas a los temas de la vida, sino que, trata de exponer los temas para enfrentarlos con la sensibilidad requerida. Simplemente imprescindible. 

Diego S.

Silent Hill 2 La Revelación, una secuela incoherente y poco trascendente.

Las adaptaciones siempre han estado a la orden del día, novela que tiene éxito es casi seguro que lleve a la pantalla grande. Hollywood no sólo adapta novelas y juegos de mesa, desde hace años también le ha entrado a llevar vídeo juegos al cine; prueba de eso, Resident Evil, franquicia que ha sido la más prolífera en la meca del cine y que ya va por su sexta secuela. Silent Hill se estrenó hace seis años con resultados medianos por aprte de la crítica y los aficionados del juego. Ahora regresa con una secuela titulada, Silent Hill La Revelación 3D. 

Cuando cumple 18 años, Heather Mason decide buscar a su padre. Las pesadillas que la acechan la conducen a la ciudad de la niebla eterna, donde acabará descubriendo el misterio de Silent Hill. Secuela de la película Silent Hill, basada en una saga de videojuegos homónima. 

Los juegos de vídeo de survivor horror han sido desde los más exitosos en la historia, no por nada Resident Evil se ha mantenido ya con 5 películas, era más que obvio que después del éxito obtenido de la saga zombi Silent Hill se trasladara a la pantalla por el éxito del que goza la saga del pueblo de la niebla eterna. Las expectativas eran altas, sin embargo, la adaptación fue de mediana calidad y muchos de los fans se vieron decepcionados. Seis años le tomó a Lions Gate levantar el proyecto, tiempo, que posiblemente le haría bien a los guionistas para adaptar con mayor fidelidad la esencia del juego, no obstante, lo único bueno que había logrado la primer entrega se vio mermada por una cinta mediocre que entrega todo “peladito y en la boca”, cosa que no ocurría bajo el misterio que mantenía la primer parte. 

Silent Hill La Revelación tiene una historia incoherente, dado que es la continuación directa de la cinta estrenada en 2006, no se encuentra una conexión estable respecto a la anterior, el cambio de nombre por parte de la protagonista, el regreso a la vida de la pequeña y la muerte de la madre jamás lo explican de lleno, todo no tiene un porque, todo sucede porque si. 

La situaciones tétricas son pocas, Silent Hill le daba su momento de terror a cada uno de los demonios habitantes del pueblo, La Revelación, al parecer le quitó todo lo tétrico a los monstruos y sólo los metió de relleno –ver al verdugo pedalear el carrusel no tienen madre--. Por otro lado los efectos especiales lucen cero aterradores y poco realistas, sin duda el premio mayor a lo falso se lo lleva la batalla final de la película –cuando la vean me darán la razón--. 

Cabe destacar la utilización de la música original del vídeo juego compuesta por Akira Yamaoka, guiño que se agradece a pesar de no encajar con la cinta en general. 

Un guión flojo con diálogos rebuscados y personajes poco atractivos. Silent Hill 2 sólo vino a degenerar lo poco rescatable que tenía el inicio de la saga, dejando una terrible decepción para los amantes de la saga y del terror en general.

P.D. Esperaba una mejor escena con las enfermeras.

Diego S.

Después de Lucía, su gran logro: servirá como apoyo educativo para erradicar el bullying.

Cinta inflada por el buzz de los premios y completamente olvidable.

El cine mexicano tuvo un estancamiento en la pasada década, para inicio de los 2000 aparecieron ciertos directores que marcaron una nueva etapa en el cine nacional. Carlos Reygadas es el mayor exponente de los últimos años, guste o no, el mexicano ha creado una escuela que le ha dado reconocimiento en un sinfín de festivales. Siguiendo el estilo de Carlos, Michel Franco presenta Después de Lucía, cinta que salió triunfante en Cannes en el aparatado “Una cierta mirada”. 

Tras perder a su madre Lucía, la joven Alejandra (Tessa Ia) se muda junto con su padre Roberto (Hernan Mendoza), depresivo por la pérdida de su esposa, desde la costera Puerto Vallarta hasta la capital México D.F., intentando cambiar de vida en otro sitio lejano. En la capital ella es nueva en su colegio, donde pronto comienza a tener problemas. El padre tiene un nuevo trabajo. Pero empezar de nuevo siempre es complicado cuando se ha dejado tanto atrás. 

Después de Lucía deja muy clara la postura que tendrá durante todo el metraje, una visión real de un acontecimiento tan familiar y planos cerrados que colocan al espectador a manera de voyeur. 

El promocionar una película que ha recaudado premios en los festivales que se exhibe, siempre resulta una buena promoción, y aún más, cuando se trata de una película mexicana. La cinta de Michel Franco se ve altamente beneficiada por el premio obtenido en Cannes, además de sumarle la promoción por parte del gobierno de Calderón y la obvia nominación para representar a México en los Oscar. ¿Por qué comento esto? Todos estos factores crearon demasiadas expectativas –al menos a su servidor--; lo siguiente es más que obvio. Después de Lucía resultó ser una película cruda y muy cercana a muchos de nosotros –claro, todos nos hemos topado con un caso de bullying--, sin embargo, esa familiarización nos hace que todo sea tan predecible y sin ninguna sorpresa. 

Alguna vez me he dicho a mi mismo que ante la falta de ideas y los interminables remakes “si me vas a contar lo mismo, mínimo esfuérzate en hacerlo con otras palabras”. Michel Franco cuenta una historia que se ha contado en infinidad de programas del corazón del duopolio televisivo del país, no arriesga en las situaciones ni en su estilo, simplemente se limitó a manufacturar una película hecha para ganar premios, lo mejor, lo logró. 

Después de Lucía tiene el síndrome de “la película de terror sobre posesiones”, pretende evitar toda la obviedad con un final inesperado y que se siente demasiado forzado –y de risa--. 

Sólo me limitaré a destacar el atinado reparto, cada personaje que te topas en la escuela está bien resuelto, las chicas populares, el guapo, el gordito buena onda y el payaso, pero sin dudarlo la protagonista es quien rescata la película, Tessa Ia, tiene un interesante desarrollo de su personaje que se quiebra al momento del acoso escolar, al principio te plantean a una jovencita que no sé ve afectada por la reciente muerte de su madre, que además, maneja una insolente relación contra su padre, el cual se ve severamente afectado por la pérdida de su esposa; para luego, de un momento a otro ser completamente destrozado por un puñado de adolescentes. El problema no es la actriz, quien reitero, realiza una más que acertada interpretación, el problema es del incongruente guión. 

Después de Lucía no termina por ser moralista –cosa que se agradece-- ni en enjuiciar a sus protagonistas, esa labor la deja al espectador en su papel vouyerista, lo cual puede terminar en un debate al término de la película. 

Michel Franco ha logrado algo: Después de Lucía será la cinta que servirá para proyectarse y educar a los estudiantes sobre el problema del bullying; de otra forma no trascenderá.

Diego S.

Asesino del Futuro, el brillo de la ciencia ficción.

Looper no tiene como eje central el futuro, metafóricamente te dice, la importancia en la vida no sólo es lo que viene.

La ciencia ficción no ha sido de uno de los géneros favoritos, reconozco que hay joyas como la emblemática Blade Runner y la clásica de culto, Odisea 2001 de el buen Kubrick, pero en este rubro de la cinematografía se ha dificultado encontrar una favorita. Asesino del Futuro es la nueva cinta de Rian Johnson, director de la cinta de culto, Brick, que en esta ocasión presenta una historia futurista y de ciencia ficción con la que sigue una racha grandiosa en su pequeña filmografía. Quedé fascinado con Looper. 

Como en 2072 los asesinatos están terminantemente prohibidos, las víctimas son enviadas a través de una máquina del tiempo al pasado (2042), donde los Loopers, un grupo de asesinos a sueldo, se encargan de eliminarlas y deshacerse rápidamente de sus cuerpos. El problema surge cuando Joe (Gordon-Levitt), uno de los Loopers, recibe desde el futuro un encargo muy especial: eliminarse a sí mismo (Bruce Willis). 

No me apresuro al decir que Asesino del Futuro será la mejor cinta de ciencia ficción del año que está por terminar. Looper tiene grandes cosas por cuales destacar, su sólido guión, el gran reparto y su particular mundo futurista.

Estoy encantado con el guión porque, sacando un detalle que le impide la perfección, ha sido elaborado inteligentemente como un rompecabezas lleno de detalles correlacionados para que el espectador arme el acertijo; luego de la informativa primera media hora de la cinta y vaya organizando las piezas, sin embargo, cuando uno cree poder predecir lo que va a pasar, la historia te desbarata el rompecabezas con un cambio narrativo y te obliga a rearmarlo o simplemente a esperar el desenlace, que en todo caso es absolutamente insospechado. 

El cast es más que sólido. Generalmente las cintas de acción contemporáneas se centran más en entrar en los estereotipos del macho que todo lo puede, explosiones, armas futuristas y persecuciones, Looper las tiene, pero no como los fans de las cintas clásicas de Bruce Willis, quién realmente se desenvuelve y entrega un papel convincente con la esencia que lo caracteriza. Joseph Gordon Levitt quien hace la versión joven de Willis, contrarresta la parte de Bruce, interpretando la parte dramática del personaje, además de actuar perfectamente al calcar gestos y movimientos del actor de Duro de Matar. Lo interesante de el dúo es que ambos complementan a una sola persona, y que explícitamente lanza un interrogante ¿Realmente al crecer nuestra ética mejora o se mantiene fiel a nuestras ideología jovial? Pero aún más importante, Looper es una cinta con corazón, ya que termina mostrando que el egoísmo es algo tan propio de la condición del humano, y que en Asesino… se vence a través de la redención por el amor más puro que puede existir entre humanos. Emily Blunt demuestra que está creciendo dramáticamente entregando a una mujer fuerte y protectora con su querido hijo Cid, quien pertenece al selecto grupo de los niños del demonio –no les diré porque, pero simplemente es un papel fundamental que interpreta perfectamente el niño Pierce Gagnon--. 

Destaquemos la excelente ambientación, la cual me hace recordar al escepticismo futuro que hizo Children Of Men, y sus grandes similitudes al mundo actual, donde los ladrones y las mafias son quienes viven la buena vida, mientras la gente de bien está podrida en la pobreza. Lo futurista no sólo se ve en las máquinas del tiempo, sino que, la telequinesis aporta el suspenso y lo sobrenatural en algunas escenas –excelentes por cierto--. 

Looper no tiene como eje central el futuro, metafóricamente te dice, la importancia en la vida no sólo es lo que viene, el pasado determina lo que serás en el futuro, mientras las acciones presentes determinaran tanto tu pasado y futuro. 

Cabe destacar, que el escenario donde se deshacía de “los futuros” era en campos de siembra, y es curioso, ya que la siembra es un símbolo de trabajo, mientras trabajes bien la tierra y el producto se creará una buena cosecha, de lo contrario, todo puede terminar en la pérdida de la siembra. Excelente metáfora. 

Looper es una excelente película de ciencia ficción, una joya. Desde sus magníficas interpretaciones y personajes, sus escenas de acción bien elaboradas, intensas y emocionantes, el tremendo y brillante guión, su contenido moral y dramatismo, su casi nula previsibilidad, hasta la ideal conclusión, que no hace más que cerrar con broche de oro una gran película. Imprescindible.

Diego S.

Frankenweenie, el regreso de un director que se creía muerto.

Tim Burton entrega una de las cintas más personales y mejores cintas de su filmografía

Hay directores que han tenido un alcance mediático tan grande que se han posicionado ya en un estatus de rockstar, tal es el caso de Tim Burton, que a raíz de su Alicia, alcanzó a cada uno de los miembros de la familia. Hoy en día todo mundo sabe que ha hecho Burton y ubican perfectamente sus obras. Sin embargo, con sus últimos trabajos los cinéfilos han extrañado la época de oro , etapa donde surgieron cintas como: Ed Wood, El Joven Manos de Tijeras y El Gran Pez; con Frankenweenie, retoma su buen manejo del stop motion y las historias que lo hicieron LA sensación. 

Frankenweenie está basada en el cortometraje homónimo que el propio Burton realizó en 1984. El experimento científico que lleva a cabo el pequeño Victor para hacer resucitar su adorado perro Sparky, lo obligará a afrontar terribles situaciones cuyas consecuencias son imprevisibles. 

Burton no ha cambiado en estos casi 30 años –casi--, en el corto original se podía ver claramente lo que sería su cine, en 1984 le costó el despido de Disney porque su visión tétrica no era apta para el público infantil. Ahora es la misma empresa que lo despidiera quien toma su antigua historia. Burton regresa a su etapa que tanto echábamos de menos, y al parecer, la visión de aquel veinteañero no ha cambiado realmente mucho; ahora Frankenweenie es un producto totalmente apto para toda la familia, el problema de Burton en aquel momento fue adelantarse a su tiempo. 

En esta adaptación sobre su propio material Burton no se ha limitado a estirar lo ya ha hecho, si no que a partir de lo su trabajo ha desarrollado una historia mucho más madura. El corto de Frankenweenie hablaba de cómo afrontar las perdidas a una temprana edad. Aquí Burton va un paso más allá, y sin olvidarse nunca de que en el fondo la historia no deja de ser una relectura de la obra de Mary Shelley –para los desubicados, la escritora de Frankenstein-- , la película se convierte en una bonita y triste oda al cine de terror clásico, llena de referencias a los monstruos clásicos, lanzada con una mirada nostálgica para aquel precioso blanco y negro. 

Sólo podría destacar maravillas, tanto técnicamente como su excelente guión, Burton se ha proyectado tanto en sus películas, que al parecer Frankenweenie es parte de una etapa donde el mismo director se sentía extraño en un mundo dónde todo lo diferente era malo. 

Burton cuenta una historia triste, bonita y melancólica, lo hace con mucho sentido del humor, sin olvidarse de sus característicos personajes secundarios como ese Edgar E. Gore que parece un hijo de Quasimodo, o llenando a la película de monstruos en su recta final de la forma más divertida y poco común, pero sin olvidarse nunca de que la historia principal es la historia de un niño incapaz de enfrentar la muerte. 

Técnicamente está impecable, la cinta está manufacturada como una película de la época del cine mudo acompañada de la impecable banda sonora compuesta por su siempre fiel, Danny Elfman. Punto y aparte para el sountrack titulado, Frankenweenie Unleashed!, que no es más que una exquisita gamma de sonidos muy al estilo de Burton; Karen O se luce con el tema Strange Love. 

Tim Burton entrega una de las cintas más personales y mejores cintas de su filmografía, una obra que nos habla de la retorno de un genio que muchos dábamos por muerto.

Diego S.

La Cabaña Del Terror, indiscutiblemente la mejor película de terror del año.

The Cabin In the Woods come de The Evil Dead, se siente como Viernes 13, se ríe como Scream y termina con H.P. Lovecfrat.

Alguna vez por allá en el año 1996 surgió una cinta llamada Scream, dicha cinta fue la que trajo de regreso al cine slasher luego de un estancamiento terrible. Scream resaltó por su originalidad y su perfecta dosis de humor negro, poco terror y escasa sangre –al principio, después la sangre fue en aumento--; Scream trajo consigo una moda y un sinfín de copias queriendo emular su éxito. Nuestra moda actual es el regreso de found foutage que ya tiene su tiempo en carteleras. Para refrescar el terror, slasher, comedia y cine ochentero, aparece de la nada La Cabaña Del Terror, indiscutiblemente la mejor película de terror del año. 

Cinco adolescentes se preparan para pasar el fin de semana en una remota cabaña, situada en un bosque, sin medios de comunicación con el exterior. En el sótano encuentran una extraña colección de reliquias y, entre ellas, un diario que habla de la antigua familia de psicópatas que ocupó la casa. Lo que no sospechan es que están siendo observados y que su vida corre peligro. 

Una rubia zorra/tonta y su novio el atleta, el bromista o tonto, el inteligente y la inocente, clichés de muchas cintas que son atormentados por un asesino en serie o fantasma, para reinventar todos los arquetipos del género se necesitaba creatividad, Josh whedon logró lo que parecía imposible. 

The Cabin In The Woods realiza un collage de todo lo que se ha venido contando en el cine de horror, prácticamente emplea todos los ingredientes teniendo como resultado una mezcolanza de géneros y una infinidad de referencias tanto cinematográficas como literarias, cosa que termina por desconcertar a muchos espectadores que no estén familiarizados con todo lo que se juega. 

La Cabaña Del Terror es juguetona, simpática y sangrienta --por lo que a mí respecta es precisamente la vuelta de tuerca a los “trillados” géneros lo que me ha resultado más agradable--, la cinta es de las pocas que te dejan en la incertidumbre, conoces lo que está pasando pero al final te hace dudar en todo lo que ves. Simplemente la película sólo sigue su eslogan “crees que conoces la historia, crees conocer el sitio…piensa de nuevo”. 

La película dirigida por Drew Goddard come de The Evil Dead, se siente como Viernes 13, se ríe como Scream y termina con H.P. Lovecfrat. The Cabin…complace a todos los fanáticos del género con: monstruos, zombis, asesinos, fantasmas…y un interesante cameo. 

El guión, que aparentemente deja claro desde el principio lo que estamos viendo, no para de dar giros --algunos lo tildarán de caprichoso y por tanto lo tanto destrozarán-- que consiguen desconcertar y mantener la atención constante de principio a fin. Por su parte la dirección --la cual es más que digna-- no puede evitar la sensación de producto de serie b como consecuencia de un presupuesto modesto, pero un montaje de ritmo endiablado y una fotografía y música superiores a lo que es habitual en el género, todo esto hacen que la cinta se eleve notablemente. 

Estamos ante una película que sin dudarlo en un par de años se volverá de culto, al nivel de toda la horda de cintas ochenteras. Aficionados del género, estamos ante la mejor película de terror de los últimos años, por favor, no la dejen pasar. Imprescindible.

Diego S.