domingo, 29 de enero de 2012


La Invención de Hugo Cabret: El Homenaje a las razones que nos hicieron amar al cine.



Me parece curioso que en este año se hayan realizado dos cintas sobre los orígenes del séptimo arte, mientras El Artista rinde homenaje a la primera etapa del cine, otorgando una cinta silente. La Invención de Hugo Cabret, realiza un cumplido para uno de los pioneros del séptimo arte –Decir el nombre es dar spoiler-- y una declaración de amor para los amantes del cine. 

París, años 30. Hugo (Asa Butterfield) es un niño huérfano que vive escondido en una estación y se ocupa de arreglar relojes. Se verá envuelto en una misteriosa aventura cuando intente reparar un robot estropeado. Un día conoce a una chica (Chloë Moretz) que tiene la llave que podría resolver el misterio del robot. 

Cinema Paradiso narró cómo fue que una persona se enamoró del cine, cinta que para mi resulta muy personal e íntima. Hugo Cabret me ha provocado lo mismo que movió en mí la cinta de Gissiupe Tornatore, pero con un enfoque distinto y más universal. De principio creí que vería una historia fantástica como cualquiera, sin embargo, cuando comenzó a desarrollarse, mi perspectiva cambio radicalmente. La esencia de la película es una resurrección del mito y la grandeza del cine, que también se desenvuelve como un cuento sobre una metáfora de esos jóvenes que se adentran en un misterio que abre secretas cerraduras –entiéndase sueños--, con forma de corazón. 

Los diálogos evocan la finalidad para lo que se creó el cine, soñar e ir más allá de nuestra realidad. "Mi padre me llevaba mucho al cine. Me habló de la primera película que él había visto: entró en una habitación muy oscura, y en una pantalla blanca, vio a un cohete volar y estrellarse con el ojo de la luna. Dijo que fue como soñar en la mitad del día. El cine era nuestro lugar especial, hasta en los peores momentos". Estos diálogos sencillamente me transportaron al primer momento en que entré a una sala de cine y la sensación/ilusión que tengo hasta la fecha de poder trabajar realizando cine. 

Martin Scorsese logra una fábula en toda la extensión de la palabra, que si bien el contexto va más allá que una simple historia para niños, la estética te hace recordar a cintas fantásticas como Amélie o cualquiera que pareciera sacado de la imaginación de un niño –pero ¿qué no la imaginación es el motor para los que viven haciendo cine?--. 

Todo está absolutamente impecable, pero lo que realmente vale la pena es su reparto. El elenco infantil se ha desempeñado perfectamente, Asa Butterfield encarna de una manera adorable al niño empeñado en sacar adelante su único sueño, mientras su cómplice, Chloë Moretz, resalta por ser una culta y simpática niña amante de la literatura. Por parte de Sir. Ben Kingsley no hay queja alguna, magnífico como siempre. 

Bajo el disfraz de un cuento para niños, Scorsese hace de Hugo un homenaje a las razones que nos hicieron amar la gran pantalla y entregarnos a un truco de magia que nos vuelve guerreros, astronautas y sirenas. Pasó a ser una de mis favoritas.

Diego S.


viernes, 27 de enero de 2012


Drive: Icónica y brutal

Drive me enseñó que los coches pueden ser entretenidos sin estar ligados a teiboleras y drogas.

Soy fanático de las cintas de género de terror y todos sus derivados, incluyendo el gore, que para muchos es detestable y absurdo. Para los que no le encuentran sentido a los desmembramientos y cubetas de sangre, me pasa lo mismo pero con las cintas de coches y explosiones. Nunca le he encontrado sentido a ver coches correr, hacer lucir sus rines y escuchar lo motores trabajando a fondo. Drive me enseñó que los coches pueden ser entretenidos sin estar ligados a teiboleras y drogas. Drive es sombría, intensa y viene acompañada de escenas explícitamente violentas. 

Durante el día, Driver (Ryan Gosling) trabaja en un taller y es conductor especialista de cine, pero, algunas noches de forma esporádica, trabaja como chófer para delincuentes. Shannon (Brian Cranston), su mentor y jefe, que conoce bien su talento al volante, le busca directores de cine y televisión o criminales que necesiten al mejor conductor para sus fugas, llevándose la correspondiente comisión. Pero el mundo de Driver cambia el día en que conoce a Irene (Carey Mulligan), una guapa vecina que tiene un hijo pequeño y a su marido en la cárcel. 

Drive es acción, emoción, violencia, disparos, secuencias excelentes y grandes actuaciones. Esto es lo que debería de ser una cinta de persecuciones, no tiene porque ser hueca con chicos musculosos y mujeres voluptuosas, todo puede tener fondo y buena manufactura. 

Ryan Gosling ha demostrado poder sacar adelante una cinta de cualquier género. Ahora con Driver: El Escape –vaya nombre—el joven actor crea un personaje turbio, serio, misterioso y sobrio; que a su vez mantiene ternura, seriedad y una dualidad tanto en personalidad como en su oficio. Gosling cambia de papel con y sin su chamarra, la cual también define su trabajo de stunt y de cómplice de asaltos. Las miradas entre Carey Mulligan y Ryan hablan, transmiten sentimientos, sensaciones... El afecto, la compasión, la ternura, la pasión no se emite, se siente entre los protagonistas. Unos protagonistas trazados y separados con inteligencia por el realizador y llevados a la vida por espléndidos actores. 

La cinta dirigida por Nicolas Winding Refn rememora a las cintas ochenteras en cuanto a estética –Miami Vice y Amor a Quemarropa por mencionar algunas— pero no las imita, Refn lo hace suyo y lo traslada a la pantalla de forma violenta, brutal y feroz que resulta altamente efectivo, realizando un filme oscuro y trepidante para el espectador. La dirección es acertada, no se limita con espectacularidad de las acciones, si no que da rigidez en cada plano para crear una percepción de sobresalto y asombro en cada escena. Merecida la Palma de Oro en Cannes por Mejor Director. 

La música transpira la década de los ochentas, así como la tipografía de los créditos. Cada una de las escenas está acompañada de una impecable pieza musical que inyecta adrenalina y emoción, el score trabajo de Cliff Martinez, te mete en las emociones del protagonista mientras está tras el volante. 

El resto del elenco cumple a la perfección, Ron Perlman me pareció excelente en su papel de mafioso prepotente, así como el ningundeado Albert Brooks, quien da un soporte espléndido. 

Drive es cine. Puede ser un western moderno, una película independiente, una cinta de los años 80. Es icónica, brutal, sobria en palabras --los silencios muchas veces son más importantes que lo que decimos--. 

Si ves el cine como una experiencia más allá del entretenimiento, una pasión que nos entrega a un mundo perfecto donde nos escondemos en personajes y historias que nos gustaría ser y vivir…Si ves el cine como lo veo yo, amarás Drive. Esto es acción y ahora más que nunca amo los años 80.

PD Las escenas violentas me agarraron de bajada, sin embargo, las amé en manos de Gosling.

Diego S.




martes, 24 de enero de 2012


Nunca Me Abandones: Plantea sobre el sentido que tiene la vida y la inevitable muerte.

Cuento sobre la levedad del tiempo, la amistad, el amor, la soledad, la moral, la búsqueda de la identidad propia 

Ahora que se dieron a conocer los nominados a los premios Oscar, varias cintas que tenía como favoritas para que optaran por un premio quedaron fuera; Tenemos Que Hablar de Kevin y Shame, no figuran en la lista de los nominados. De igual manera, pero el año pasado, Nunca Me Abandones fue ninguneada en todo tipo de premiaciones…ahora que por fin pude verla siento que fue una injusticia. ¡Te odio tío Oscar! 

Kathy, Tommy y Ruth pasan su infancia en Hailsham, un internado inglés aparentemente idílico, donde descubren un tenebroso e inquietante secreto sobre su futuro. Cuando abandonan el colegio y se aproximan al destino que les aguarda, el amor, los celos y la traición amenazan con separarlos. 

No todo es como lo pintan, Nunca Me… es algo que jamás te esperas. Todo comienza como si lo que se está viendo es una película de amor clásica, pero no, la historia contiene elementos como la ciencia ficción que la alejan de un romance típico. Nada es esperanzador, luego de la media hora del largometraje, todo va en picada y se respira tristeza, nostalgia y donde todo es emocional. 

Nunca Me Abandones nos plantea sobre el sentido que tiene la vida y la inevitable muerte. Todo en esta vida tiene un ciclo, largo o corto, pero tiene un final. El filme de Mark Romanek nos ostenta un retrato portentoso-depresivo sobre el amor, la amistad, envidia, tristeza y los cuestionamientos sobre la función que tenemos en la vida. “Ustedes vinieron aquí sólo para vivir la vida”, diálogo clave que al final toma forma por la represión amorosa que sufren los protagonistas. 

Es admirable la destreza y la elegancia con la que Romanek desarrolla una historia cruda y sutil, excelente discurso narrativo y manejo actoral. Sus metáforas que acentúan la historia son memorables –los elefantes dentro del salón de clases recuerdan la frase de “todos lo saben, pero no lo hablan”--. 

Afortunadamente, los actores escogidos para encarnar a dichos personajes tanto en la edad infantil como en la adulta han sido perfectas decisiones de casting.Carey Mulligan brinda un actuación digna de Oscar demostrando una adorable tristeza que se realza con los papeles secundarios de Keira Knightley y Andrew Garfield, quienes de igual manera brindan personaje entrañables. 

Su impecable manufactura técnica y el score, son aditivos que logran guiar al espectador de la manera correcta por el camino concebido del guionista y director. 

Al final la cienca ficción que se plantea no se ve por medio de máquinas del futuro y grandes efectos especiales, Romanek nos emociona con el lirismo, la melancolía y el desazón que evoca este cuento sobre la levedad del tiempo, la amistad, el amor, la soledad, la moral, la búsqueda de la identidad propia y, por último, el sacrificio por un bien común en el que no hay cabida para el individualismo. Lamentablemente, el ser humano siempre ha sido y siempre será egoísta por naturaleza. Imprescindible.

Diego S.

viernes, 20 de enero de 2012


La Chica Del Dragón Tatuado reitera el amor de Fincher por el Thriller.

Su realizador se consagra en el género de asesinos seriales/misterio, además de reiterar por que es de los mejores directores contemporáneos.

David Fincher nació para realizar thrillers llenos de misterio e intriga, si desde Seven se le veía talento para realizar historias redondas y entretenidas, con La Chica Del Dragón Tatuado regresa a sus raíces y reafirma porque es el director y maestro del misterio en la actualidad. 

Esperando poder distanciarse de la acusación de difamación que pesa sobre él, el periodista Mikael Blomkvist se traslada a una isla remota en el norte de Suecia, donde la muerte aún no resuelta de una joven atormenta a su tío cuarenta años después. Alojado en una cabaña de la isla donde el asesino puede estar aún rondando, la investigación de Blomkvist le lleva a dibujar los secretos y mentiras de esta poderosa y rica familia junto a una rara aliada, la tatuada y hacker punki, Lisbeth Salander... 

Muchos escucharon, leyeron y vieron la obra en que la reciente cinta de Fincher se basa, Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres, y se convirtió en un fenómeno literario y cinematográfico, que a la fecha cuenta ya con dos secuelas realizadas en Suecia y millones libros vendidos. Se preguntarán ¿Porqué hacer un remake de una obra tan fresca? Fincher se atrevió…y la recargó. 

Millennium siempre ha sido material para el grandioso director, su versión sobre la novela de Stieg Larsson, engrandece y se alza por sus propias virtudes, no necesita comparaciones, cada adaptación tiene sus méritos. Dejaré aún lado la versión nórdica. 

Sabemos que el material base es amplio, pero Fincher se toma su tiempo para explorar y definir el ambiente de cada uno de los personajes, todo para ofrecernos una cinta redonda y armar el complejo rompecabezas de Larsson. La dirección de David es elegante --cada plano y movimiento de cámara muestran la maestría del director— y transpira por completo el estilo por el que se ha caracterizado –pensamos asesinos y nos evoca a Fincher— repleto de atmósferas atrapantes y tramas un poco retorcidas. 

El reto de la nueva versión sería encontrar a una Lisbeth que pudiera superar a Noomi Rapace o alejarla de ella. Rooney Mara no la supera, pero logra crear y meterse en su propia Lisbeth. La actuación de la hasta entonces desconocida Mara –con este papel empieza a despuntar—es soberbia y arriesgada; si bien Rapace entrega una mujer ruda en Salander, Rooney logra dotarla de fragilidad, dureza y ternura, transmitiendo con miradas una mezcla extraña de tristeza, agresividad y venganza. La joven actriz sale airosa al meterse en la psique de una joven perturbada, compleja y extrema; un papel que no cualquiera se hubiera atrevido a realizar, por las escenas fuertes y desnudos continuos. 

Daniel Craig, fantástico, y quizás más que de costumbre al interpretar un personaje más vulnerable y menos decidido de lo clásico. El resto del reparto es excepcional, Christopher Plummer siempre magnífico y Stellen Skarsgard entrega con miradas y gestos un poco de misterio a la trama. 

Atticus Ross y Trent Reznor vuelven a hacer mancuerna con Fincher, al igual que en Red Social, ambos músicos crean un score atrevido que se une perfectamente con las atmósferas y la trama. La fotografía en sepias, grises y colores fríos resume el estilo característico del director. 

Aplaudí la decisión de modificar el final, Fincher se percató de poder “cerrar” la historia en caso de no poder realizar la trilogía –cuando la vean verán a lo que me refiero- sin dejar ni un cabo suelto. Raros son los casos en los que una película consigue ponerse a la altura de un libro. Sólo unos pocos son capaces de conseguirlo, y David Fincher lo ha conseguido. Ha creado 160 minutos del más sórdido thriller para dejarnos con ganas de más. La Chica Del Dragón Tatuado es un thriller imperdible que reitera mi gusto por el trabajo del realizador.

Diego S.



domingo, 15 de enero de 2012


Predicciones Globos de Oro 2012


Como he visto menos de la mitad de las cintas nominadas, algunas ternas serán al tanteo. Estás son mis predicciones y claro, daré mi utópico resultado diciendo quien me gustaría que ganara. 


Mejor película:
Los descendientes
The Help
La invención de Hugo
The Ides of March
El Juego de la Fortuna (Moneyball)
Caballo de guerra

Gana: The Help, creo que es una cinta Fesl good Movie, de esas historias que disfruta la academia, que además está repleta de conflictos pasados y que al final se resuelven, si algo adora la academia es dejar bien a la sociedad americana. 

Chance y pega: Los Descendientes, por lo que he leído es una historia humana de esas que te dejan buen sabor de boca...Además amo a Alexander Payne...y a George Clooney.


Mejor actriz:
Gleen Close por Albert Nobbs
Viola Davis por The Help
Rooney Mara por The Girl with the Dragon Tattoo
Meryl Streep por La Dama de Hierro
Tilda Swinton por We Need to Talk about Kevin

Gana: Es incierto quien resultará triunfadora, creo que es una terna muy reñida, Viola Davis ya se lo llevó en los Crític's Choice Awards, pero siento que pueden sorprender con otorgarle el globo a Gleen Close.
Chance y pega: Tilda Swinton, he repetido hasta el cansancio, la mejor actuación del año. En verdad será un robo si no lo obtiene.



Mejor actor:
George Clooney por Los Descendientes
Leonardo DiCaprio por J. Edgar
Michael Fassbender por Shame
Ryan Gosling por The Ides of March
Brad Pitt por El juego de la fortuna

Gana: Ryan Gosling, es una estrella en ascenso y que este año se ha entregado con grandes papeles, tanto como en papeles cómicos y dramáticos. Será su coronación y su pase al Oscar.
Chance y pega:  Michael Fassbender se ha ganado mi confianza, todos sus papeles son favoritos.


Mejor película comedia o musical:
50/50
The Artist
Damas en guerra
Medianoche en París
My Week with Marilyn

Gana: The Artist, es la cinta más nominada y sería injusto que con todo el respaldo que tiene no se lo dieran
Chance y pega: Creo que me gustará The Artist, sólo he visto dos de las 5 nominadas. Aún así creo que cualquiera que gane será bueno, ya que las películas son dignas de estar en la terna.



Mejor actriz en comedia o musical:
Jodie Foster por Carnage
Charlize Theron por Young Adult
Kristen Wiig por Damas en guerra
Michelle Williams por My Week with Marilyn
Kate Winslet por Carnage

Gana: Michelle Williams, su personificación de Monreo, físicamente, es grandiosa, además de que nunca he dudado sobre su talento, y aunque no he visto la cinta es la que más posibilidades tiene.
Chance y gana: ¡Ya es momento de Williams!  


Mejor actor en comedia o musical:
Jean Dujardin por The Artist
Brendan Gleeson por The Guard
Joseph Gordon-Levitt por 50/50
Ryan Gosling por Loco y estúpido amor
Owen Wilson por Medianoche en París

Gana: Jean Durjadin, este es de los premios seguros en esta categoría. ¿Una interpretación de comedia silente en nuestro tiempos? Eso es de aplaudirse y de premiarse. 
Chance y gana: Desde Piel Misterioso siento mucho cariño y admiración por Joseph Gordon Levitt, un actor  que se encuentra en la misma situación que Gosling. Un punto más, 500 Días Con Ella es una de mis comedias románticas favoritas.


Mejor película de animación:
Las Aventuras de Tintín
Operación Regalo (Arthur Christmas)
Cars 2
El gato con botas
Rango

Gana: Será el año donde Pixar no dio batalla, Tintin será la vencedora ya que tiene todo a su favor. Dos directores amados por la prensa, un guión sólido, impresionante animación y una historia para toda la familia.
Chance y gana: Sin dudarlo ¡Vamos Tintin!


Mejor Película en lengua extranjera:
The Flowers of War (China)
In the Land of Blood and Honey (Estados Unidos)
Le Gamin au Velo (Belgica)
Nader y Simin Una separación (Iran)
La piel que habito (España)

Gana: Sólo he visto La Piel Que Habito, que no ganará --y espero que no gane--, por el ruido que está haciendo, la película iraní, A Separation, tiene todas las de ganar.
Chance y gana: Lo nuevo de Yimou, amo la estética e historias de este director y Flowers Of War no creo que decepcione.  


Mejor actriz de reparto:
Berenice Bejo por The artista
Jessica Chastaik por The Help
Janet McTeer por Albert Nobbs
Octavia Spencer por The Help
Shailene Woodley por Los Descendientes

Gana: Octavia Spencer es la Monique de este año.
Chance y gana: Lo predije en mi crítica de The Help, Spencer estará en todas las premiaciones y en los Golden Globe ganará.


Mejor actor de reparto:
Kenneth Branagh por My week with Marilyn
Albert Brooks por Drive
Jonah Hill por El juego de la fortuna
Viggo Mortensen por A Dangerous Method
Christopher Plummer por Begginers

Gana: Christopher Plummer, es de los premios más cantados.
Chance y gana: Conforme con el resultado, Plummer se lo merece al haberle negado el premio años atrás por La Última Estación.


Mejor director:
Woody Allen por Medianoche en París
George Clooney por The Ides of March
Michel Hazanavicius por The Artist
Alexander Payne por Los Descendientes
Martin Scorsese or La invención de Hugo

Gana: Clooney puede saltar por su trabajo constante como director además de ser sólido, pero Hazanavicius está en su camino.
Chance y gana: Quiero que gane por capricho Alexander Payne.


Mejor guión:
Michel Hazanavicius por The Artist
Nat Faxon, Alexander Payne, Jim Rash por Los Descendientes
George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon por The Ides of March
Woody Allen por Medianoche en París
Aaron Sorkin, Steven Zaillian por Juego de la fortuna

Gana: El veterano, genio e intelectual Woody allen, su joyita Medianoche En París no se puede ir sin nada.
Chance y gana: Woody Allen, Sorkin está muy fresco de su último triunfo.


Mejor banda sonora:
Ludovic Bource por The Artist
Abel Korzeniowski por W.E.
Trent Reznor y Atticus Ross por The Girl with the Dragon Tattoo
Howard Shore por La invención de Hugo
John Wolliams por Caballo de guerra

Gana: Por los méritos que tiene The Artist, al ser una película silente, recordemos que el vehículo emocional de una película sin sonido era la música, la tiene fácil.
Chance y gana: Estoy con The Artist.

Mejor canción Original:
Hello Hello por Gnomeo y Julieta
Keeper, The por Machine Gun Preacher
Lay your head down por Albert Nobbs
The Living Proof por The Help
Masterpiece por W.E.

Gana: No tengo la menor idea pero tengo qu escoger una. Th Help sonó bien en el cine.

jueves, 12 de enero de 2012


Tenemos Que Hablar de Kevin, la nueva El Bebé de Rosemary.

Excelente crónica de la relación madre e hijo. Swinton merece el Oscar.

Dentro de los géneros del cine existen en la actualidad varios subgéneros que resultan ser una infusión de géneros completamente opuestos, algunos de ellos resultan ser un poco inconsistentes. Tenemos entre ellos al Mocukumentary que no es más que la reunión de la ficción con la técnica de un documental, por otro lado, Dramedy, comedia y drama a su vez; pero uno de los más llamativos son el drama y el terror, Tenemos Que Hablar de Kevin entra en esta categoría. 

Eva es una mujer satisfecha consigo misma, es autora y editora de guías de viaje para gente tan urbana y feliz como ella. Casada desde hace años con Franklin, un fotógrafo e iluminador que trabaja en publicidad, decide, ya cerca de los cuarenta años y tras muchas dudas, tener un hijo. El producto de tan indecisa decisión será Kevin. Sin embargo, casi desde el comienzo, nada se parece a los inefables mitos familiares de la clase media urbana y feliz. Para empezar, Eva siente que Franklin se ha apoderado de su maternidad y la está convirtiendo a ella en el mero contenedor del hijo por nacer, privándola de placeres tan apreciados por Eva como el sexo, la gimnasia o el vino. 

Tenemos Que Hablar de Kevin no es lo que parece. Si pensaban toparse con un drama lacrimógeno, vean otra cosa. Todo comienza sin saber para donde va esta historia, sólo será un viaje realista, perturbador y para muchos incoherente. Está cinta es una joya de las que no se ven en muchos años. 

La historia se cuenta de manera paralela, antes de nacer Kevin y después de su nacimiento. Todo inicia como cualquier embarazo, el padre emocionado, pero en este caso la madre un tanto insegura –y no por los riesgos, si no por querer tenerlo--. Tenemos Que… nos muestra la relación madre e hijo un tanto extraña, primero Eva desde que lo llevaba en su vientre sintió rechazo por su hijo, cosa que se reflejó en Kevin al crecer. Eva y Kevin no son como una madre y un hijo cualquiera, es un lazo incómodo lleno de rechazo y rivalidad. Aquí es donde se preguntan ¿Qué no toda madre quiere a sus hijos? Bueno esta es la incoherencia para muchos, pero la cinta nos muestra que no todos los padres por ser papás, quieren a sus hijos y viceversa; el amor se gana, no es obligatorio. 

Tilda Swinton se internó en la Eva descrita por la autora de la novela, sencillamente la frustración, negación y repudio hacia su hijo se transmite en cada expresión de la actriz, teniendo un interpretación excelsa y entera –Las escenas donde cambia el pañal y trata de callar al bebé son perfectas para una mujer que descubre que no nació para ser madre--. 

Ezra Miller y sus presentaciones pequeñas han sido de los mejores casting con actores infantiles. En cada una de sus etapas, los pequeños realizan un trabajo excepcional al ir soltando al pequeño monstruo de mamá –Grandioso el segundo Kevin, un niño demonio—Hasta alcanzar su perversidad con Ezra--. El joven actor será recordado por su impecable interpretación de un psicópata. 

¿Dónde está el terror? Comencé hablando de drama y terror. Bueno, el terror no se encuentra en los lugares típicos, no, este está dentro de la terrible relación, todo se basa en ver las atrocidades de Kevin contra su madre –Que al final resultan ser gritos por robar la atención de su madre, muy a su modo--, y en el miedo de Eva por el peligro que corre su familia con su propio hijo. Sí, durmiendo con el enemigo –En verdad es perturbadora--. 

¿Y dónde quedó el resto de la familia? John C. Reilly es el esposo y consecuentemente padre –que no había mencionado— resulta ser una relación típica con Kevin, con la hermana, sólo celos --Parte importante en el filme--. 

La película dirigida por Lynne Ramsey, es una crónica de cómo un hijo no querido destruye y estanca la vida de la madre desde que este se procreo, y de igual manera, el nacimiento de la maldad propia casi como si se tratara de la nueva versión de El Bebé de Rosemary. 

Un obra que pintaba para ser una historia de una familia feliz, pero que termina en tragedia masiva. Teniendo sólo un ganador: Kevin quién al final obtuvo la deseada y única atención de su madre. Imprescindible.

Diego S. 



miércoles, 11 de enero de 2012


Misión Imposible: Protocolo Fantasma. Gran dirección, gran cinta de acción.


El cine de acción es el menos valorado dentro de la crítica y la industria cinematográfica, pero que al final resulta de los más taquilleros y entretenidos. Sagas de acción como las del mítico James Bond 007, se han mantenido en el gusto del público por su estilo particular de mantener el género, aparte de sus ya característicos e icónicos aparatos y las hermosas acompañantes. Bond es todo un personaje. En el mismo estilo se encuentra La Supremacía Bourne o Rápidos y Furiosos, películas recientes que se han posicionado en el gusto del público y se han mantenido por varios años. Misión Imposible: Protocolo Fantasma consagra a Ethan Hunt y levanta la estancada saga. 

Acusado de atentado terrorista con bombas contra el Kremlin, el agente del IMF Ethan Hunt (Tom Cruise) se ve desautorizado junto con el resto de la organización al iniciar el Presidente el “Protocolo Fantasma”. Sin poder contar con recursos ni apoyo, Ethan deberá encontrar el modo de restaurar el honor de su organización e impedir un nuevo ataque. Para complicar aún más las cosas, Ethan se ve obligado a embarcarse en esta misión junto a un equipo de compañeros del IMF fugitivos cuyos motivos personales no conoce del todo. 

Desde que Brian De Palma nos trajo la primera entrega de Misión Imposible, parece que la saga de Ethan Hunt, iba perdiendo punch con cada nueva entraga, y su objetivo de ser una película de espías espectacular se iba degradando. John Woo, nos regaló una buena colección de escenas de acción fabulosas sin un hilo conductor coherente entre ellas. J.J. Abrahams, transmitió un poco de su misterio característico a la saga, regalándonos momentos emotivos con escenas de acción también maravillosas.

Brad Bird, en su primera incursión en el cine real, lejos de Pixar, nos hace ver la finalidad con la que se inició esta historia, Misión Imposible es cine de espionaje con increíbles dosis de acción. Bird trae lujo a Ethan Hunt como en las mejores películas de James Bond; hay gadgets espectaculares, que ya querría para el Super agente 86; y hay infiltraciones que dejan en evidencia a la mítica escena de la primera entre de esta saga por lo suelos.

Quizás Tom Cruise no es el mejor actor de la historia –y créanme no me agrada en lo absoluto--, pero en Protocolo Fantasma se compromete y nos entrega todo su carisma con escenas de gran impacto visual --Excelente las escenas en Dubai--. Jeremy Renner –próxima estrella de acción--, es ungran actor al que le queda aún mucho por demostrar y le inyecta rejuvenecimiento a la saga. El resto del elenco pasable y correcto en cada uno de sus roles. 

Brad Bird les da una lección de cómo rodar escenas de acción sin dar descanso al espectador –increíble que un director novato en el género lo haga mejor que muchos de los exponentes de acción--. Cuando la película llega a su fin, es tal el esfuerzo físico al que se nos somete, que necesitamos huir de la sala en busca de aire fresco para oxigenarnos. Sin embargo, la acción está bien medida, nos roba el aliento, pero no nos debilita, al contrario, te deja una excelente sabor de boca –y en verdad el género no soy fan--

En definitiva, cine 100% palomero, pero con un alto nivel de calidad. Una historia bien ensamblada; un equipo de reparto que luce correcto; una serie de escenas que quedan en la retina; y después de todo, la sensación de que si la saga sigue por estos caminos, la misión se habrá conseguido. Muy Recomendable.

Diego S.


miércoles, 4 de enero de 2012


Las Aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio. El regreso de Steven Spielberg.


Reconozco no ser muy fan de las filmografía de Steven Spielberg, pero la reciente cinta del conocido director basada en la historieta Belga de Tintín. En México es poco conocida, sin embargo, en Europa es una clase de Familia Burrón, todo una historieta clásica y popular. Yo pertenezco al grupo de la gran mayoría que desconoce la historia del periodista del copete y su perro. Diré que es una emocionante, excitante, maravillosa y de las pocas cintas de aventuras que se dan en años. Reconozco que esta vez sí la hizo Spielberg, claro con la ayuda del ex bonachon, Peter Jackson. 

Tintín, un joven periodista dotado de una curiosidad insaciable, y su leal perro Milú descubren que la maqueta de un barco contiene un enigmático secreto que deben investigar. Así es como Tintín se encuentra en el punto de mira de Ivan Ivanovitch Sakharine, villano que cree que el joven ha robado un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo. Pero con la ayuda de Milú y el cascarrabias capitán Haddock y dos torpes detectives Hernández y Fernández, Tintín viajará por medio mundo, sirviéndose de su singular astucia para burlar a sus enemigos y encontrar antes que ellos El Unicornio, un barco hundido que puede proporcionar la clave de una fabulosa fortuna y de una antigua maldición 

Tintín de Spielberg podría ser un Indiana Jones. Podría ser la cuarta parte de Indy pero en versión buena. A la mezcla habría que añadir la introducción de Atrápame si puedes (incluso la música es semejante), pero no, es Tintín. Y se nota que es Tintín, porque con un ritmo tan frenético de película, casi visceral, el contenido de la historia es acertado y denso, dando a las aventuras un toque de intriga más del cine de espías. 

Estamos ante una película de aventuras, y no me canso de repetirlo, diseñada para que en cada imagen nos quedemos con la boca abierta, con un guión espléndido, unos personajes llenos y ricos en detalles –morí de risa con Haddock-- y sobre todo un sin fin de escenas vibrantes y adictivas que no te dejarán ni respirar. Mención de honor a la maravillosa animación en motion capture, sin duda la mejor en años.

Los fans de Spielberg, los que crecieron con películas de aventuras a lo Indiana Jones, que llevan 10 años viendo todas las películas de Spielberg esperando volver a encontrarse con esa magia que percibían de pequeños, están de suerte ya que saldrán emocionados del cine. 

Steven Spielberg ha vuelto, se ha quitado 20 años de encima y nos ha dado la mejor película de aventuras desde finales de los 80. No solo de su carrera cinematográfica, sino del cine en motion capture y animado. Así que ya saben, si ya con "Super 80" se emocionaban por la “nostalgia” del cine ochentero, aquí directamente el Rey Midas de Hollywood, el creador del cine palomero, ha acertado.

Diego S.