La casa de las conejitas una típica comedia americana

Película que sólo quiere divertir por medio y risas fáciles. Recuerden es una película sobre una conejita Playboy perdida.

Stone, Dennings y Faris, un trío cómico.

Me han dicho algunos de mis pocos seguidores que me aventure a reseñar películas de todo género. Hoy les hago caso y les tengo una película que es boba, pero disfrutable. Con ustedes La casa de las conejitas (2008). 

Esta comedia típicamente americana era precisamente lo que me esperaba: una película para adolescentes, mostrando mucha carne para los chicos y una vena sensiblera de amores mal logrados para las chicas. Pero aún así, debo aceptar que me gustó. 

Shelley es una conejita Playboy que ha cometido el supremo pecado, ha cumplido 27 años –En tiempo de playboy equivale a los 59--, y a causa de esto ahora ha sido corrida de la mansión. Shelley está viviendo en su carro, viniendo de un mundo superficial vacío y, según la llaman muchas veces, insulso. De modo que por azares del destino, cae en una casa de fraternidad de una universidad. Y comienzan los clichés. 

La película está llena de gangs ya antes vistos, es una comedia simplona repleta de escenas de sexo --pero los manejadas con buen tacto y hasta simpatía--, pero es algo que se espera ya que el director, Fred Wolf, fue durante mucho tiempo escritor principal en el programa Saturday Night Live y de “joyitas” como Las Aventuras de Joe Dirt, Without a Paddle y Black Sheep. Pero a diferencia de las anteriores, Wolf parece haber entendido que las historias de salvar a los desadaptados no necesitan ser de adultos para tener éxito. Tampoco lastima mostrar varias mujeres con ropa corta y a Hugh Hefner deprimido y comiendo helado. 

Realmente lo que se puede rescatar de la cinta es sin dudarlo la actuación de Faris, ya que es oro puro, una combinación perfecta de humor físico y sutil, ligado con momentos auténticamente tiernos, además sus ojos reflejan lo que refleja un rubia de play boy, nada. La casa de las conejitas sirve como examen para las actrices en auge, Emma Stone y Kat Dennings, ambas con talento nato en la comedia romántica. Merecen ser mencionadas no por su talento, si no por sus progenitores, Colin Hanks y Rumer Willis, --los apellidos les dicen quienes son sus padres—quienes no resaltan en lo más mínimo. 

Al final, la película pretende dejar una moraleja, algo sobre no dejarse llevar por superficialidades y eso, pero uno simplemente quiere saber si perderán la casa o no. Y supongo que eso es señal de una película que sólo quiere divertir por medio y risas fáciles. Recuerden es una película sobre una conejita Playboy perdida.

Diego S.

500 días con ella, relato de una relación actual.

Con un lúcido guión y un acertado ritmo, la cinta destaca por sus toques sutiles de humor, y buenas interpretaciones, por su excelente banda sonora y una correcta planificación.

Dentro de la mediocridad en que navegan las cintas del corte de comedia romántico, sólo algunas son las que pueden rescatarse entre el mar de porquerías realizadas por las Aniston y la Roberts. Love Actually (2003) demostró que una cinta romántica puede centrarse no sólo en relaciones amorosas, si no, también en relaciones fraternales. Por otro lado no podemos hablar de comedia sin mencionar a Woody Allen, sus grandiosas comedias románticas fungieron como inspiración para una ola de directores especializados en el género. 

El director, Marc Webb –antiguo director de vídeos musicales y el quien está a cargo del reboot de spiderman-- presenta su ópera prima, 500 días con ella (2009), cinta que menciono por ser una bocanada de aire fresco para la comedia romántica. 

Un chico conoce a una chica. El chico se enamora; la chico no. Esta historia de amor posmoderna no sigue el esquema esperado de las típicas historias de amor.Cuando Summer (Zoey Deschanel) inesperadamente termina su relación amorosa con Tom (Joseph GordonLevitt) él muy descontento redactor de contenidos para tarjetas de felicitaciones e incurable romántico, divaga por las diversas etapas de aquellos 500 días que pasaron juntos en un intento por descubrir cuando se inició el descenso de la relación. 

“Esta no es una historia de amor”, con esta frase se inicia lo que sería una relación amorosa en esta época, con sus altibajos y sus buenos momentos. Muchos sentirán empatía por parte de los protagonistas --y eso es lo que resulta que 500 días…funcione—al sentirse indentificados con alguna de las dos partes de la pareja, por un lado está Tom, quien es la parte más entregada de la “relación” y quien asegura haber encontrado a su media naranja en Summer, quien aporta los guiños de una relación moderna, al dejar en claro que no cree en el amor y no buscar una relación formal --¿Qué no son las mujeres quienes sueñan con encontrar su media naranja y tener una relación?--. 

Con estos personajes atípicos, 500 días con ella, necesitaba de actores acertados. Joseph Gordon Levitt, muestra sus dotes de cómico en su papel como Tom, quien para muchos es el bueno de la cinta y representa de manera majestuosa a un enamorado empedernido –como olvidar la secuencia musical de Tom después de haber logrado estar con la chica de sus sueños, simpática y maravillosa, para todos los que hemos tenido ganas de bailar después de estar con alguien especial--. Zoey Deschanel brilla por su acertada personificación de una mujer moderna –para muchos será la perra de la película--. 

Debo hacer mención de una de las escenas más rimbombante de la película. La pantalla dividida en dos partes. En el lado izquierdo se muestran las expectativas sobre lo que sucederá al encontrarse de nuevo con la chica de sus sueños. Lado derecho la triste y cruda realidad. Una escena que detona simplemente sentimientos encontrados para el espectador –y para mí—y una manera fabulosa de plasmar muchos momentos tristes en las relaciones personales. 

En conclusión, 500 días con ella, Es una crónica de una relación al puro estilo de Annie Hall (1977) –y que tiene algunos gestos de homenaje a Sir Allen— donde no todas las historias de amor tienen un final feliz, pero sí, son el relato de un encuentro de una chica y un chico. Un lúcido guión y un acertado ritmo --especialmente por su división en actos que dividen el proceso de la relación--,que tiene toques sutiles de humor, y buenas interpretaciones, una excelente banda sonora y una correcta planificación, la cinta destaca como una de las mejores comedias románticas de los últimos años. Les dejo la secuencia musical de Tom.

Diego S.

Tiempo de volver

Andrew Largeman es un actor de televisión que se aleja de su familia y viaja a Los Ángeles en busca de fama. Se mantiene ahí por nueve años, y en un intento por evitar los recuerdos, se hunde entre antidepresivos, alcohol y drogas. Un día se entera de la muerte de su madre y este suceso lo obliga a regresar a su pueblo natal para encontrarse con esa extraña realidad que había sido su hogar años atrás, pero que ya había olvidado desde hace tiempo. 

A su regreso, el protagonista teme del reencuentro con su padre, que a pesar de la distancia sigue ejerciendo una influencia dominante sobre él. Volver a su pueblo después de nueve años lo desconcerta y remueve sensaciones que lo llevan a replantear su vida.

Se encuentra con amigos de la infancia que al verlo de regreso en el pueblo gritan emocionados de lado a lado de la calle "¡Hey Large!" Y es que el tipo continúa siendo un personaje interesante del pueblo, después de todo, no cualquiera tiene oportunidad de salir en televisión. De hecho, sus amigos tienen los empleos más poco ordinarios que se pueda imaginar, desde empelados de tiendas de conveniencia, sepultureros y capacitadores de "empresas pirámide".

En medio de todo esto, Largeman conoce a Sam, una chica de sonrisa brillante y presencia fresca interpretada por Natalie Portman, quien llega a la vida del protagonista, no para completar una relación romántica, sino a romper con la dinámica. La presencia de Sam le brinda a Largeman la posibilidad de disfrutar de la vida.

Por momentos, la historia se asemeja a los romances post adolescentes clásicos o los tan empleados road movies. Pero el director -que actualmente participa en la serie Scrubs- rompe con esto de repente, dejando de lado los convencionalismos y llevando al espectador a situaciones surrealistas. 

Una secuencia: en medio de la plática, Andrew y Sam encuentran sus miradas. Sentados a la orilla de la cama, guardan silencio, se miran y repentinamente Sam dice: "no te voy a besar". Se levanta y hace algunos movimientos y sonidos extraños que acaban por confundir aún más al agobiado Largeman. La lección: siempre que Sam siente que está por hacer algo estúpido, cataliza sus impulsos para lograr algo que nadie haya intentado jamás. Así de simple se va llevando la trama.

Al principio, la película se llamó Andrew's Ark (El Arca de Andrew). Después quedó como Garden State, título con el que se comercializó en 2004. A su paso por México, la película fue llamada Tiempo de volver, en su estreno en España fue Algo en común". Lo que es un hecho, es que por los mercados donde pasó fue cosechando éxito, reconocimientos y premios. Destaca la nominación al premio del Gran Jurado en el Festival Sundance en 2004 y la obtención del premio Independent Spirit Award en 2005 en la categoría de Mejor Primera Producción. Además, la banda sonora también fue premiada en los premios Grammy de ese año.

Curiosidades de Black Swan

Después de disfrutarla en el cine, decidí hacer un artículo sobre las curiosidades de la última obra de Aronofsky.

Darren Aronofsky se ha caracterizado por realizar películas con personajes sumamente turbios. Eln Pi el orden del caos, logró una atmósfera desesperante y frustrante, aderezada de una historia poco convencional. Con Requiém por un sueño, planteo la crudeza de su visión sobre el mundo de las drogas, creando una obra de culto que da más miedo que cualquier cinta de horror, por la crudeza y mediocridad en la que terminan los personajes. Pensada como la cinta hermana de su anterior trabajo –El luchador--, El cisne negro, refirma el gusto de Aronofsky por los personajes turbios, y lo coloca como un dramaturgo visual que sabe trabajar a un personaje inexistente, creándole desde su psique hasta su comportamiento. El cisne negro, es provocadora, intensa, frustrante y perversa; de igual manera que logra ser, sensual, elegante y pura. Todo es un juego de opuestos, desde el género --comienza tranquilo al puro estilo dramático, pasando al momento que la cinta toma un rumbo turbio y escalofriante como de un thriller psicológico--, hasta la compleja personalidad de la protagonista. La película es un viaje en picada al puro estilo de réquiem por un sueño, visceral, por mostrar un mundo tan rudo y desgastante como fue el luchador. Darren Aronofsky, muestra una de sus pequeñas obras maestras, poniendo en escena todos sus fetiches y aficiones. El cisne negro es la joya de la corona de Aronofsky.

Bocetos para el diseño del vestuario

Curiosidades de Black Swan.

• La película es considerada por su director la cinta hermana de El luchador, ya que muestra los esfuerzos a los que se ven sometidas las bailarinas del ballet.
• Black Swan fue filmada en 42 días. Como locaciones tuvieron la academia de Ballet más reconocida en el mundo, The New YorkCity Ballet y Manhattan.
• Natalie Portman bajó cerca de 15 kilos para interpretar el papel de Nina. Además ahí conoció a su actual pareja el coreógrafo, Benjamin Millepied, con el cual espera su primer hijo.
• Aunque Darren goza de un estatus de director reconocido, Black Swan sufrió de muchos percances. A la segunda semana de iniciar el rodaje el presupuesto con el que contaban cayó, aún así, siguieron y los actores no se dieron cuenta, después Fox logró sacar a flote el proyecto otorgando parte del presupuesto. El presupuesto sólo les duró el tiempo del rodaje, para la post producción ya no tenían nada de dinero.
• Se realizaron cerca de 300 tomas con efectos especiales.
• Cinema Verité, se le llama así al estilo cámara en mano, empleado en Black Swan. En principio se pensó manejarlo con un estilo documental.

• Benjamin Millepied y Darren Aronofsky, entrenarón juntos el lago de los cisnes con la cámara, para poder lograr transmitir la esencia y elegancia del ballet por medio de la cámara, emulando ser está una bailarina más para el espectador.
• Black Swan fue realizada en formato 16 mm, cosa que a estas alturas ya no se utiliza.
• Mila Kunis tuvo que practicar ballet a sus 26 años y le resultó muy difícil, ya que bailar ballet es  básico entrenar desde temprana edad, Natalie ya tenía conocimientos sobre danza.
• Natalie Portman ensayaba antes de cada una de sus escenas, al final del día terminaba muerta por el esfuerzo físico que necesitaba en cada una de las tomas que involucraban el baile.
• Tanto Caseel como Kunis afirmaron que Portman besa muy bien.  Diego S.

        critica de Black Swan http://t.co/cq7OmLD

The Human Centipede, todo está en tu mente.

Es una muestra de horror típico del género pero con una idea nunca antes vista hasta la fecha. 

Existen una serie de cintas centradas en la experimentación con humanos. La mosca (1986) de David Cronenberg, resultó ser una grandiosa joya de la ciencia ficción –hasta la fecha es inspiración de muchas cintas del género--, por otro lado tenemos la saga de Species (1995), donde se mostraba a una mortífera criatura con figura humana. The human centipede (Tom Six 2010) es la cinta que experimenta con el género y tiene como resultado una cinta original y perturbante. 

El ciempiés Humano, se centra en un cirujano retirado que quiere unir quirúrgicamente a tres personas a través de sus sistemas digestivos, de la boca hasta el ano, a fin de crear un engendro humano cuya forma recuerda a un ciempiés. Para poder lograr su cometido, dos jóvenes americanas son las afortunadas candidatas para integrarse al proyecto. 

Sin lugar a dudas la película más escalofriante, repugnante, sórdida, terrible y original que he visto desde hace tiempo. The human centipede es una muestra de horror típico del género pero con una idea nunca antes vista hasta la fecha. 

Puede que a muchos les parezca asquerosa la idea –que la es—y mucho más mostrarla en pantalla, pero, lo inteligente de la cinta es que nunca muestra imágenes explícitas como muchos se lo esperan, todo lo repugnante lo recreas en tu cabeza, ya que el director empleo como una herramienta auxiliar la imaginación del ser humano. 

La película es una fórmula tradicional del género slasher –chicas perseguidas por el asesino—y un poco de gore. Lo importante de The human centipede, es que toda la tensión del filme se centra en el experimento y sus movimientos, sí, todo el suspenso se concentra en la dificultad para caminar y moverse del ciempiés. Resulta sumamente estresante, frustrante e inquietante verlo tratar de escapar. 

Las actuaciones no destacan precisamente por ser brillantes, con excepción de Dieter Laser –el científico loco-- el cual no solo tiene cara de malo, si no que, lo aprovecha muy bien al provocarte escalofríos cada que aparece a cuadro. Las de las chicas y el chico no son muy buenas hasta que se desarrolla la historia, momento en el cual se les nota agobiados y desesperados que se encuentran. 

El director Holandés, Tom Six, resulta ser una nueva esperanza para Holanda tras el ocaso de Dick Maas y para el abstracto domesticado de Cronenberg. The human centipede, no deja de ser una tradicional película de suspenso, con encuadres sugestivos para mostrar la locura del doctor, una intriga de destacable y una puesta en escena funcional y muy atractiva.

Diego S.

El dato

Ya se prepara la secuela de The human centipede, the second secuence.

Xeví Muntané y su fotografía irreverente.

El estilo del joven Fotógrafo es resultado del encanto de la fotografía de la cultura pop como David Lachapelle y el homoerotismo de Robert Mapplethorn.

Kylie Minogue para la revista OUT.

Xeví Muntané es considerado como el fotógrafo con mayor proyección de la ciudad de Barcelona. Él nace en Barcelona en el año de 1977, pero pronto tuvo claro que para conseguir sus objetivos en la vida tendría que mudarse a Nueva York. Desde 1998 --fecha en la que se marchó--hasta hoy, hemos sabido que tenía razón. Su carrera ha sido fructífera y ha destacado en la fotografía como ningún otro. 

Lily Cole

El estilo del joven Fotógrafo es resultado del encanto de la fotografía de la cultura pop como David Lachapelle y el homoerotismo de Robert Mapplethorne, sin embargo, Xeví se encuentra metido más en su propia iconografía. Sus temas recurrentes en las fotografías son los bares de sexo fácil, cruising y antros de Nueva York, todo esto logran cuajar para dar un estilo particular y relajado. Puede resultar contradictorio si tenemos en cuenta el glamour y las grandes marcas que rodean sus trabajos, pero no tanto si nos fijamos, en lo poco recargadas que suelen estar sus fotos. 

Su trabajo ha sido publicado en grandes revistas como ID, GQ, Citizen K, VMagazine, Vman, Interview y una larga lista de editoriales. 

Tilda Swinton

Como todo fotógrafo que se consagra en el mundo de la moda, los famosos no se resistieron y comenzaron a llamarlo, Javier Bardem, Rossy de Palma y Fangoria son algunos de los conocidos que figuran en su portafolio. Pero sin duda su carrera se fue a los cielos gracias a las sesiones que le ha hecho a Kylie Minogue para su gira de Showgirls y las de sus sencillo I Belive In You, así como su portada para Rolling Stone. Cuando trabajó con Kylie, Xeví tiene una anécdota, después de haber tenido sexo con un tipo la noche anterior, el sofá donde modelaría la cantante lo dejó lleno de ladillas, corrió con suerte ya que la sesión se cambió de lugar. 

Aparte de saber utilizar muy bien su cámara, Xeví también utiliza su cuerpo para dar morbo. Más de una vez se ha desnudado, tanto por delante como por detrás, ante una cámara. Un estuche de monerías y un fotógrafo extrovertido y desinhibido. Un barcelonés que agradece el haber dejado su país, para regresar triunfante.

Diego S.

http://www.xevimuntane.com/

Predicciones Oscar 2011

Nominaciones Oscar 2011:

Se dieron a conocer los nominados al premio de la academia. Sopresas las hay y los sospechosos comunes también están. Para comenzar el hecho de que True Gift recibe nominaciones en las ternas más importantes y de la misma manera, Winter's Bone con más nominaciones que Black Swan. Para México Biutiful logró colarse para mejor película Extranjera y mejor actor. Estás son mis predicciones.

Mejor actriz de reparto


Amy Adams – El peleador
Helena Bonham Carter – El discurso del rey
Melissa Leo – El peleador
Hailee Steinfeld – Temple de acero
Jacki Weaver – Animal Kingdom

Sabía que todas que la mayoría estaría incluida. La oveja negra de esta terna es Hailee Steinfeld, está ocupa un lugar que a mi parecer debería pertenecer a Mila Kunis. Este fue el primer fraude.

Quien Ganará: Melissa Leo
Yo se lo doy: Melissa Leo




Mejor actor de reparto


Christian Bale – El peleador
Jeremy Renner – Atracción peligrosa
Mark Ruffalo – Los niños están bien
Geofrey Rush – El discurso del rey
John Hawkes – Winter's Bone

Realmente estoy enojado con los de la Academia. Andrew Garfield logró convencer a cualquier asociación con su interpretación. Garfield era acertado, conmovedor y con situaciones dramáticas que cualquier otro actor no ha logrado, en fin. Creo que aquí puede quedar entre Rush y Bale.

Quién ganará:  Christian Bale
Yo se lo doy:  John Hawkes me gustó.




Mejor actriz


Annette Bening - Los niños están bien
Nicole Kidman – Rabbit Hole
Jennifer Lawrence – Winter's Bone
Natalie Portman – El cisne negro
Michelle Williams – Blue Valentine

Había previsto a cada una de ellas. Por lo que veo los votantes de la academia pueden darnos la sorpresa, y la ganadora sería Nicole Kidman, que con su papel de madre destrozada pasando por una crisis matrimonial a causa de la muerte de su hijo, logra dar su mejor interpretación, mejor dicho,  la única buena actuación en lo que a mi respecta. Aún así Natalie Portman lo merece.

Quién ganará: Natalie Portman, puede ser Nicole Kidman.
Yo se lo doy: Natalie Portman es grandiosa.






Mejor actor


Javier Bardem - Biutiful
Jeff Bridges - Temple de acero
Jesse Eisenberg - Red Social
Colin Firth - El discurso del rey
James franco - 127 horas

Quizá el que sale de sobra es Jeff Bridges, este no tiene ninguna oportunidad --ya tiene su oscar del año pasado--, Bardem no tiene la más mínimo oportunidad. Está terna es la única segura, después de ser ignorado por su grandioso papel de A single man, Firth tendrá su oscar después de que se le fuera de las manos una vez.

Quién ganará: Colin Firth
Yo se lo doy: Mr. Firth


Mejor director


Darren Aronofsky - El cisne Negro
David O Russel - El peleador
Tom Hooper - El discurso del rey
David Fincher - Red Social
Joel Coen & Ethan Coen- Temple de acero

La gran sorpresa de todos al notarse que Christopher Nolan no figurara en la lista. Bueno vemos que los Coen son favoritos y prueba de ello es que están en la lista, sin embargo no se lo llevan. Todo queda en Aronofsky y Fincher.

Quién ganará: Aronofsky
Yo se lo doy: Darren está claro.




Mejor guión original


Another Year
El peleador
El origen
Los niños están bien
El discurso del rey


Quién ganará: El origen
Yo se lo doy: El origen


Mejor guión adaptado


127 horas
Red Social
Toy Story 3
Temple de acero
Winter's Bone
Quién ganará: Red social
Yo se lo doy: Red social


Mejor película extranjera


Biutiful (México)
Dogtooth (Grecia)
In A Better World (Dinamarca)
Incendies (Canadá)
Outside the law (Algeria)

De verdad me da gusto ver que México figure en la terna, pero, Biutifil es una película que no me da orgullo por que me parece ajena a nuestro país, no soy malinchista ni nada por el estilo, considero que esa cinta no representa bien a México. Dogtooth es mi favorita, magnífica, profunda y sencilla. Excelente cinta que maneja colores, recursos narrativos, metáforas y un sencillo empleo de los planos narrativos al puro estilo de la vieja escuela.

Quien ganará: Incendies 
Yo se lo doy: Dogtooth, me gustó.




Mejor película animada


Cómo entrenar a tu dragón
The Illusionist
Toy Story 3
Me pueden linchar muchos, pero, ruego por que Toy Story 3 no gane. Cómo entrenar a tu dragón me pareció una historia superior a todas las que se proyectaron en el año. Es conmovedora y muy atractiva, cinta que le da un giro a las historias sosas al mostrar un final poco convencional en las cintas de animación masivas.
Quien ganará: Toy Story 3
Yo se lo doy: Cómo entrenar a tu dragón.


Mejor dirección de arte


Alicia en el país de las maravillas
Harry Potter y las reliquias de la muerte pt. 1
El origen
El discurso del rey
Temple de acero


Quién ganará: El origen
Yo se lo doy: El origen


Mejor fotografía


El cisne negro
El origen
El discurso del rey
Red Social
Temple de acero
Quién ganará: Red Social o El origen
Yo se lo doy: Black Swan


Mejor diseño de vestuario


Alicia en el país de las maravillas
I Am Love
El discurso del rey
The Tempest
Temple de acero

Quién ganará: El discurso del rey

Yo se lo doy: I am Love

Mejor documental


Exit Through The Gift Shop
Gasland
Inside Job
Restrepo
Waste Land

Quién ganará: Inside Job

Yo se lo doy: Inside Job

Mejor corto documental


Killing in the name
Poster Girl
Strangers No More
Sun Come Up
The Warriors Of Qiugang


Mejor edición


El cisne negro
El peleador
El discurso del rey
127 horas
Red Social

Quién ganará: Black Swan

Yo se lo doy: Black Swan

Mejor maquillaje


The Way Back
Hombre lobo
Barney's Version


Mejor score


How To Train Your Dragon
El origen
El discurso del rey
127 Horas
Red Social

Quién ganará: Red Social

Yo se lo doy: El origen

Mejor canción original


Coming Home – Country Song
I See The Light – Enredados
If I Rise – 127 Horas
We Belong Together – Toy Story 3


Mejor corto animado


Day & Night
The Gruffalo
Let's Pollute
The Lost Thing
Madagasgar, carnet de voyage


Mejor corto live


The Confession
The Crush
God Of Love
Na Weve
Wish 143


Mejor diseño de audio


El origen
Toy Story 3
Tron: El legado
Temple de acero
Unstoppable

Quién ganará: El origen

Yo se lo doy: El origen

Mejor mezcla de sonido


El origen
El discurso del rey
Satl
Red Social
Temple de acero

Quién ganará: El origen

Yo se lo doy: El origen

Mejores efectos visuales


Alicia en el país de las maravillas
Harry Potter y las reliquias de la muerte pt. 1
Más allá de la vida
El origen
Iron Man 2

Quién ganará: El origen

Yo se lo doy: El origen

Mejor película

El cisne negro
El peleador
El origen
Los niños están bien
El discurso del rey
127 Horas
Red social
Toy Story 3
Temple de acero
Winter's Bone

Ignoremos que Winters Bone aparece y de igual manera Temple de Acero. Descontemos a Toy Story que sólo resulta ser el factor para justificar el hecho de integrar 10 cintas sin hacer menos cual sea su género. El discurso del rey ya ganó la asociación de productores, aún así creo que el premio puede quedar entre dos, El origen o Red social. Me gustaría que ganara Black Swan que es mi favorita de todas.

Quién ganará: Red Social o El origen

Yo se lo doy: Black Swan

Primer mes del Blog

para festejar mi meta de subir un artículo durante un mes consecutivo, les dejo uno de mis vídeos que hice para el taller de Televisión durante la universidad.  Espero comentarios sobre el vídeo. Ojalá siga con las actualizaciones diarias durante otro mes más.

True Blood es una historia de intriga, amor y lucha por la aceptación social.

Una gloria que revive el vampiro creado por Bram Stroker en su versión actualizada.

La serie ya va por su cuarta temporada.

La fascinación por la muerte, la sensualidad de la sangre, la fascinación por convertirnos en un ser suprahumano... la figura del vampiro es un ícono de tantas caras que siempre ha cautivado la atención de un público amplio, y ha sido fuente inagotable de recreaciones en todas las artes. 

Sin embargo, toda fórmula se agota, y ya estábamos sufriendo la monotonía del formato de series como “El diario de los vampiros”, la poco lograda saga de “Crepúsculo”, en las que el tema del vampiro es una simple excusa para vender cuerpos e imagen.

En True Blood, por fin hallamos un nuevo planteamiento, una fresca perspectiva que dejará satisfechos tanto a los fanáticos del tema del vampiro, como a los inexpertos que se desconocen el tema –mi hermana se enganchó con el primer episodio y ya es fan--. La serie retoma la esencia del mito vampírico --que en estos años se había perdido entre vampiros homosexuales carentes de colmillos--, donde los seres nocturnos son personajes seductores, sexuales, agresivos y sí, tienen colmillos y se bañan en sangre. 

¿De qué va True Blood? Ambientada en un pequeño pueblo sureño de Louisiana, la serie presenta cómo viven los vecinos la revelación de la existencia de una especie que ha vivido oculta entre ellos durante años: los vampiros, que deciden salir a la luz ahora gracias a una bebida de sangre sintética (True Blood) que puede facilitarles la integración. La aparición de un vampiro en la comunidad comienza a sembrar esa desconfianza ante lo desconocido; y más aún cuando una dulce chica del pueblo, Sookie Stackhouse, se involucre con él en una relación amorosa mal vista por todos, y comiencen a suceder en el pueblo una serie de misteriosos asesinatos.

Para todos aquellos escépticos, Sangre verdadera no es más de lo mismo. Basada en los libros de Charlaine Harris, Alan Ball el creador de la multipremiada Six feet under, realiza una serie plagada de metáforas sociales, donde por medio de situaciones llenas de misterio y humor negro, logra que cualquier anécdota sea una epifanía de la verdadera naturaleza humana de la actualidad. 

Lo raro de la serie es que nunca se tiene a un solo protagonista –sí se promueve a Anna Paquin como la principal pero es mera mercadotecnia--, si no, todo un mosaico de personajes que representan un estereotipo de la sociedad, dando la oportunidad de engancharte no sólo con la historia de uno de ellos, también aportando una versatilidad de sub géneros dentro de la serie. 

True Blodd es una historia de intriga, amor y lucha por la aceptación social. Una gloria que revive el vampiro creado por Bram Stroker en su versión actualizada.

Diego S.

Voy a explotar una historia sobre la adolescencia

Voy a explotar refleja la etapa de la vida donde todo es nuevo, la odisea del descubrimiento de la sexualidad, el ansia por llegar hacer adultos y comportarnos como tales

¿Alguna vez en la adolescencia nos cruzó por la cabeza estrangular a nuestros padres por no comprarnos lo que deseamos o por el simple hecho de no dejarnos salir a una fiesta? Lo más seguro es que muchas veces llegamos a pensarlo. La adolescencia es una etapa dura donde se nos ocurren mil cosas, es la etapa pesada para nuestros padres y la etapa del conocimiento para los que la atraviesan. Con Voy a Explotar (2009), Gerardo Naranjo presenta una historia ligera que nos interna a la psique de un quinceañero y realiza lo que todo puberto quiere en su momento hacer, mandar a la mierda a todos.

Voy a explotar relata la vida de dos adolescentes que son considerados como "problemas". Maru (Marías Deschamps) , conoce a Román (Juan Pablo de Santiago), un adolescente con fantasías violentas. Los dos se unen en una rebelión contra todo y todos cuando deciden huir a un lugar donde nadie los encuentre. La insospechada nueva intimidad los lleva a descubrir su sexualidad y una intensa vida en pareja que los une y a la vez los confunde. A pesar de saberse buscados por sus padres, los jóvenes buscan expandir los límites de su recién formado paraíso y arriesgan su escondite al salir al mundo real, donde las heridas son verdaderas y las acciones tienen consecuencias.

La película te lleva a esos momentos tan frustrantes que te hacían pasar tus padres, cuando sentías que los adultos eran unos dictadores y tenias ganas de revelarte. Una película muy íntima y a la vez universal. Los personajes principales hacen una historia tierna donde realizan los pensamientos reprimidos de muchos. 

El punto clave de la película son los jóvenes e inexpertos actores, los cuales logran llevar por sí mismos todo el peso de la película, otorgando a cada uno de sus personajes una personalidad propia y acertada para un adolescente característico de la sociedad mexicana actual --influye mucho que ambos son considerados como rebeldes en la realidad--.

Al igual que su anterior trabajo Drama/Mex (2006) Gerardo Naranjo acompaña a su segundo largometraje con una muy buena selección musical, este ayuda a sentir el estado de ánimo de los protagonistas --ya sea por el la música que escuchan ellos en su reproductor o el excelente score--. El aspecto visual resalta por la ingeniosa fotografía que va avanzado de colores luminosos hasta llegar a los tonos fríos, los cuales enmarcan el dramático final.

Un retrato de la juventud que muestra la falta de atención de los padres hacia los hijos --sin llegar a ser moralista-- siendo a la vez también un perfecta historia de amor que bien podría ser cualquier relación adulta. Voy a Explotar puede llegar a ser una cinta predecible y considerada para muchos como para jovencitos, pero no se equivoquen, la cinta es mejor dicho una cinta sobre la adolescencia.

Diego S.

Dogtooth.

La cinta muestra la naturaleza humana y todos sus complementos, por medio de una analogía con la educación canina.

Me es difícil describir Dogtooth (2010) del griego Yorgos Lanthimos. No puedo quitarme de encima el gran parecido que tiene con una de las obras de Arturo Ripstein, El castillo de la pureza (1973). La trama es muy similar hasta cierto punto, lo que puede separarla de esta es sin duda alguna, el manejo de la cámara y el perfecto uso de los pocos planos empleados en la narrativa, las escenas explícitas, pero sobre todo la profundidad de la obra. 

Canine --como también se le conoce a esta película-- trata sobre un padre, la madre y sus tres hijos que viven en una mansión a las afueras de una ciudad. Hay una cerca que rodea la casa, y los hijos nunca han salido de ella. Están siendo educados con los métodos que sus padres creen que son apropiados, sin ninguna influencia del mundo exterior. La única persona a la que se le permite entrar en la casa es Christine, que trabaja como guardia de seguridad en la fábrica del padre. Éste le hace visitar la casa para saciar las necesidades sexuales del hijo. 

Con una premisa como esta, Lanthimos realiza una obra sencilla, pero profunda. Todo parte de una simple metáfora incluida en la mitad de la cinta, sobre la manera en que se educan a los perros. “un perro es como un trozo de arcilla y nuestro trabajo es moldearlo” –punto clave para entender la cinta--. El padre se dedica a mantener a sus hijos alejados del mundo real, él decide educarlos de una manera donde ellos mismos crean su propio lenguaje –el mar es una silla cubierta de cuero, la sal es el teléfono— y sus propias reglas de supervivencia. Dogtooth, nunca da explicaciones sobre el comportamiento del padre y mucho menos el porqué del aislamiento, aún así, no se necesitan las referencias, el director sencillamente se centra en mostrar la evolución de los hijos como si fueran estos un proyecto ó un “animal” al cual domar. La película tiene contenido sexual --considerado por muchos fuerte, para mí nada de que espantarse--, pero es necesario pues la sexualidad y la reproducción son un mecanismo primordial del ser humano –además de ser parte fundamental de la historia--, por ello las escenas son explícitas y las acciones impactantes –como el incesto-, pero siempre tratado de una manera sublime. 

El discurso narrativo empleado por Lanthimos es sencillo, bello e impresionante. Su manera de emplear los escasos planos –en su mayoría two shoots fijos y en ocasiones cortados o mal enfocados ---es creativa y significativa –sólo te limita a ver lo que tienes ver--. La dirección de arte es humilde pero precisa. Los colores son en su mayoría blancos y luminosos, lo cual ayuda a resaltar la inocencia que los hijos poseen. 

Cintas como Funny Games (1997) de Michael Haneke pueden resultar familiares –por el estilo del director austríaco--, en la trama a la antes mencionada El castillo de la pureza. Pude resultar un híbrido entre estas dos películas, pero, Dogtooth muestra una historia más profunda, donde la naturaleza humana y todos sus complementos resultan ser la estructura de una pequeña obra maestra, que refleja las problemáticas tan universales como el conformismo, el miedo, el descubrimiento, la imposición, y la libertad del ser humano.

Diego S.