Chicas Pesadas la cinta reina de las comedias de adolescentes

Chicas Pesadas es una de las mejores películas del subgénero de la comedia adolescente de instituto, y personalmente es mi favorita.

Una joven adolescente, Cady (Lindsay Lohan), acostumbrada a vivir en África con sus padres zoólogos, se encuentra una nueva jungla cuando se muda a Illinois. Allí acude a la escuela pública, donde se enamorará del ex-novio de la chica más popular del colegio (Rachel McAdams). Las chicas comenzarán a hacer la vida imposible a Cady, y ésta no tendrá otro remedio que usar sus mismas tácticas para mantenerse a flote. 

Ciertos detalles son típicos de este estilo de películas, aunque otros saben despuntar y mostrarnos otro punto de vista, haciéndonos ver la superficialidad del mundo adolescente. Por ejemplo, la voz en off de la protagonista –acertado recurso-- y la transformación de Cady que sufre a lo largo de la película, esas comparaciones con la selva o lo exagerado que llega a resultar todo en momentos.

Las actuaciones están correctas por todo el elenco, Rachel McAdams –en ese entonces no tan conocida como ahora--interpretando a Regina George, la "abeja reina" del grupo de las plásticas del instituto y Amanda Seyfried –quien resulta una de las más graciosas con su predicción del clima-- y Amy Poehler como sus "obreras". Lindsay Lohan resulta muy graciosa y cómoda en el género de la comedia. Destaquemos a la madre liberal de Regina y su singular hermanita.

Volvemos a ver fiestas, bailes de fin de curso y ataques de histeria e hipocresía, pero todo atípicamente bien llevado y cuidado. Si alguien no ha visto una película del estilo, recomendada. Si ya son expertos en el tema, seguramente verán chistes clásicos de comedias de referencia , pero no por ello deja de ser entretenidísima.

Diego S. 

Sucker Punch no es una película, es un espectáculo

Cinta que se disfruta mucho al verla sólo con los sentidos.

Sucker Punch ha sido de las cintas que por su estética me robaron la atención desde su entretenido tráiler. Después de su estreno mundial las críticas no se hicieron esperar, el reciente trabajo de Zack Snyder fue destrozado por la crítica internacional. Confieso que algunas ocasiones me dejo influenciar por lo que leo en los medios, mi expectativas bajaron estrepitosamente. Entonces me cuestioné sobre ¿Qué fue lo que hizo mal Snyder para que lo trataran tan mal? Me limito a decir que están exagerando. 

Sucker Punch, es una fantasía épica de acción que nos sumerge en la imaginación de Babydoll (Emily Browning) una joven cuyos sueños le ofrecen la mejor escapatoria para su realidad más oscura. Sin la contención de los límites del tiempo y el lugar, ella es libre de ir a donde su mente la lleva, pero sus increíbles aventuras difuminarán las fronteras entre lo real y lo imaginario... con consecuencias potencialmente trágicas. 

Escuché comentarios un tanto absurdos, vaya me dijeron que era una clase de crepúsculo para chavos, me imaginé lo peor –la saga de los vampiros homosexuales es para mí lo más bajo que se ha visto en cine--, sin embargo, me topé con una historia que pretendía ir más allá de la simple acción. 

Alguna vez leí un comentario del propio director comparando la estructura de la cinta con la de Inception, quizá eso fue lo que provocó las grandes esperanzas de toparnos con una visión particular de Snyder y su mundo bizarro. Veamos, Mundo Surreal tiene sólo tres capas, la realidad que es el instituto mental, le sigue el burdel imaginario que emplea Snyder para lucir a su séquito de mujeres sexosas y darle más punch a la historia, y el tercero el escape de Babydoll para salir de su realidad y donde se hospeda toda la acción. Tiene ciertas incongruencias en el guión, el burdel nunca tiene un explicación razonable –quizá lo que hizo Snyder es una metáfora—lo cual crea cierta confusión, además el baile que hipnotiza a todos nunca queda claro –pero el póster avisa, no estarás preparado y el tráiler no es para nada engañoso--, así de que todo lo que se ve en los avances aparece, nada de engaños. 

La película posee una dirección de arte espléndida, desde la institución mental hasta el burdel imaginario y los lugares de batalla, cada uno con una atmósfera correcta, quizá en momentos se ve todo muy computarizado llegándose a tornar como un buen videojuego, pero aún así se le perdona por las grandes secuencias de acción. 

Snyder posee ya un estilo particular –y al que le es muy fiel-- al momento de realizar escenas de combates , en su mayoría son acciones en cámara lenta y con impresionantes coreografías –a las protagonistas se les da--, así como lo hiciera en Watchmen y 300. Es innegable el talento de Zack Snyder --al menos uno de los que más ha sabido conjugar la narración de una buena historia con la dirección más digital-visualmente vanguardista del momento-- no sobran planos, cada frame tiene su color, cada escena su ritmo, cada personaje su destino y psique. 

A pesar de que la cinta está ambientada en los años cincuenta, Sucker Punch es acompañada con una excelente selección musical, desde army of me de Bjork que le da vida a la primer batalla de Babydoll y se disfruta como nunca, pasando por la versión acústica de We Will Rock You. Inusual es una característica de los soundtracks de Snyder. 

Si vas a ver la película con el cerebro, se te hará una mentada de madre para tu intelecto. Recomiendo ir a verla con los sentidos, lo visual se estimula de sobre manera, el oído está demás decirlo. Sucker Punch no es una película, es un espectáculo --para muestra el telón de inicio--.

Diego S.

Cintas esperadas 2011 (Última Parte)

Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte de David Yates 

Digan lo que digan, en lo personal es una de las sagas con las que he crecido. Potter ha pasado a la historia de la cinematografía y cultura pop. Mis expectativas son inmensas ya que según su pésimo director toda la acción se encuentra en esta última parte. Su anterior parte me dejó aburrido y decepcionado. 

We Bougth a Zoo de Cameron Crowe 

Casi Famosos ha sido uno de mis filmes favoritos y Crowe un genio detrás de historias sencillas pero llegadoras. Su nueva premisa me tiene ansioso por ver el regreso, después del estrepitoso filme de elizabethtown. Además quiero un nuevo soundtrack para traer en el mp3.

Restless de Gus Van Sant 

Estoy con puros regreso de directores consagrados, he visto el tráiler y se ve un producto decente, pesando que Gus Van Sant hará una radiografía del amor entre una pareja joven, como sabes el director sabe entregarnos buenas historias y ahora era le tocaba a el mostrar los problemas maritales. 

Post Tenebras Lux de Carlos Reygadas 

Después de Luz silenciosa, Reygadas me terminó de ganar. Aún desconozco la trama de la película, el simple hecho de lleva ya años preparándola me da la seguridad de que entregará una muy buena cinta, rara como él sabe hacerlas. Vamos Reygadas. P.D. sé que alguien me va a tachar de pretencioso y cuestionar mis gustos.

Desconocido, tópico conocido

Toda película que suele estar llena de tópicos clásicos del género, son meros momentos de entretenimiento, al sentarte frente a la pantalla ya sabes lo que una cinta como Desconocido te ofrecerá, acción reciclada de cintas estilo Bond. 

Unkown trata sobre el doctor Martin Harris, quien se encuentra con su mujer de visita en Berlín, Harris (Liam Neeson) sufre un accidente y entra en un prolongado estado de coma. Cuando se despierta, comprueba alarmado que alguien ha usurpado su personalidad. Entonces emprenderá una frenética investigación para averiguar la verdad. 

El film que es tópico hasta la médula, pero aun así, entretiene de lo lindo y cumple perfectamente el cometido, vamos que nadie se espere un film de Terrence Malick o una cinta complejísima de Christopher Nolan, esto es cine de entretenimiento y nada más, aunque eso sí, de calidad y con buenas interpretaciones, aunque el personaje de January Jones es un tanto agridulce para mi gusto, pero se compensa gracias a la guapísima actriz alemana Diane Kruger, además de que su personaje esta mejor desarrollado que el de Jones, también destacan Aidan Quinn, al que no veíamos hacía mucho tiempo y los siempre magníficos Frank Langella (Frost/Nixon) y Bruno Ganz (La caída), aparte las buenas interpretaciones, también destaca la fría y grisácea fotografía, la buena dirección de Jaume Collet-Serra y un más que aceptable montaje, trepidante, aunque en sus primeros minutos sean un poco plomizos. 

En síntesis, Unknow mas bien debería llamarse Know, porque ya todo lo vimos y varias veces, pero que es rescatable por su voluntad de entretener sin ademán ni complicaciones, visiblemente con dotes de buena Adrenalina --no tanto como Bourne--y hacernos pasar un buen rato en la butaca…lo demás es fácilmente para olvidar…por cierto con ese final esto tiene olor a una inevitable secuela.

Diego S.

Cintas esperadas 2011 (Segunda Parte)

Melancholia de Lars Von Trier 

Después de Anticristo, le agarré el gusto a Von Trier aunque Melancholia sea d ela corriente dogma, lo único que sé es que será sobre desastres naturales y que un planeta se acerca a la tierra, lo cual podría provocar el fin del mundo. Veamos, Von Trier hizo una cinta particular y terrorífica sin caer en lo usual, espero que en el término de ciencia ficción cumpla de sobre manera. 

La Piel que Habito de Pedro Almodóvar 

Todos los proyectos del director manchego que a realizados y por filmar, merecen esperarse para adentrarse en su singular mundo bizarro, repleto de personajes carismáticos inundados de drogas diversidad sexual y colores pastel. La historia ya se la saben, será un thriller como él lo ha dicho y que en algunas escenas algo de terror. Desde que su mujer murió quemada en un accidente de coche, el Dr.Ledgard (Antonio Banderas), eminente cirujano plástico, se interesa por la creación de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla en referencia a La piel que habito. Doce años después consigue cultivarla en su laboratorio, aprovechando los avances de la terapia celular. Para ello no dudará en traspasar una puerta hasta ahora terminantemente vedada: la transgénesis con seres humanos. Pero ese no será el único crimen que cometerá... Grandes expectativas de mi parte. 

Súper 8 de J. J. Abrahams 

Cloverfield me fascinó, me perturbó, me mareo y me entretuvo como nunca lo había hecho una cinta donde un monstruo gigante es el protagonista. Con súper 8, sólo quiero más de lo mismo, una increíble campaña misteriosa y escenas de acción cargadas de adrenalina. El tráiler no me convence, pero en su momento me pasó lo mismo con Monstruoso. 

A Dangerous Method de David Cronenberg 

Otro de mis directores predilectos regresa junto con un reparto espectacular y una que se antoja. Ambientada en la Segunda Guerra Mundial, se basa en la tumultuosa relación entre Carl Jung y su mentor Sigmund Freud debido a una mujer: Sabina Spielrein. Viggo Mortensen como Freud tiene que verse, Cronenberg se ha salido del mundo salvaje de la mafia y de la violencia característica de sus cintas. A Dangerous… la veo como su posible entrada a los Oscar. Cronenberg no defrauda. 

The Tree Of Life de Terrance Malick 

El trailer no muestra mucho sobre la historia, pero luce muy bien y vamos es Sean Penn y Brad Pitt, actores consagrados que han dado actuaciones memorables. Tree Of Life , trata sobre la evolución de un niño llamado Jack con su familia durante los años 50, siendo su madre (Jessica Chastain) el amor y la bondad, y su padre (Brad Pitt) la dureza y quien le enseña a enfrentarse a un mundo hostil. Sean Penn interpreta a Jack en su época adulta. Por otro lado el film también narra la historia del universo desde sus inicios. Por cierto amo el póster.

Cintas esperadas 2011 (primera parte)

Les voy a dar un repaso de las 15 cintas que más espero para el año en curso. Serán tres entregas. Esta es la primera parte. Espero comentarios sobre las cintas en cuestión. Les daré un breve comentario sobre su trailer. 

Hanna de Joe Wright 

Independientemente de la trama, la cinta debo confesarlo me ha llamado la atención por su música realizada por The Chemical Brothers, todo por ser su primera incursión al mundo de los score. En cuanto a la historia espero un intenso thriller y grandes actuaciones por parte de Saoirse Ronan, Erica Bana y Cate Blanchett. 

Los Hombres que no Amaban a las Mujeres de David Fincher 

La versión sueca me pareció una gran película de suspenso y misterio, en las manos de Fincher considero que será una gran cinta estilo Seven, el género le queda como anillo al dedo y sabemos que él puede superar a la cinta original. Punto a destacar a Daniel Craig, soy fan del actor australiano. 

Red State de Kevin Smith 

La controversia siempre genera mucha curiosidad, el tráiler no revela mucho, pero es interesante ver al director mudarse del género cómico al del horror. Veamos si el crossover le sale bien y supera mis expectativas. 

Scre4m de Wes Craven 

La saga que reinvento el género slasher regresa después de una década. Craven tiene una gran responsabilidad con toda una generación amante de ghostface, sabes que será la entrega más sangrienta y que recuperará la confianza perdida en el tope de My Soul to Take. Sangre, gritos y nuevas reglas. What’s your favorite scary movie? 

Midnight in Paris de Woody Allen 

Muchos que me conocen saben que el señor Allen es uno de mis directores predilectos, razón suficiente para esperar la cinta que hizo revuelo por la aparición de la primera dama de Francia, Carla Bruni. El póster me agradó de sobre manera, el tráiler aún no lo he visto, pero es Woody, y aunque muchos digan que es más de lo mismo, en lo personal me sigue gustando así como los tenis converse, nunca pasa de moda es un director consagrado por sus comedias románticas intelectuales.

Outrage y la doble moral política.

Los documentales muestran siempre una cruda realidad de los problemas que embargan a la sociedad, es una denuncia sobre la cruda verdad y lo que esto conlleva. Outrage, es una protesta contra la hipocresía y la doble moral de los políticos estadounidenses. 

Sabemos que el “ clóset” existe en todos los estratos sociales y laborales, pero lo que resalta el documentalista no es al padre de familia de clóset que engaña a su esposa, o al joven reprimido por su familia viviendo una doble vida, lo interesante es la manera en que se ve afectada gran parte de la comunidad homosexual al ser dañada por los mandatarios homosexuales, que en lugar de velar por la comunidad que quieran o no, ellos forman parte, realizan campañas activas encontra de los colectivos homosexuales sólo para obtener el puesto deseado ó sencillamente no dañar la cara de su partido. 

La estructura de la película es sencilla, un blogero es quien en su papel de héroe, decide investigar a todos aquellos políticos que están rodeados por chismes acerca de su sexualidad. En principio eso del desenmascarar me pareció nada coherente, lo vi sólo como un ataque, pero conforme avanzaba la historia, te dabas cuentas el por qué lo hacía. La manera en que se desarrolla es magnífica, por medio de números, de testimonios, de artículos se va desglosando el perfil de cada uno de los “grandes” detractores de los derechos homosexuales, e inclusive entrevistas con personas que en algún momento se acostaron con los que velaban por la bisexualidad. 

Todo tiene un fin en común, revelar la terrible hipocresía que daña a toda una comunidad y que por miedo a dañar una imagen política, muchos pagan los platos rotos, por la violencia e ignorancia que transmiten las personas que manejan el país, llevándose entre las patas a personas que sufren la negligencia de estos –vaya increíble los fragmentos de noticias donde se muestran muertes de jóvenes de 15 años, cometidos por casi niños--. 

Es tonto pensar que los políticos a quienes se evidencian aparecen ante la cámara, sin embargo, de manera paralela campañas del senador de Idaho, Larry E. Craig, el representante de California, David Dreier y hasta en un gobernador de Florida, Charlie Christ, aparecen para contradecir todo lo que sus testigos y amantes dicen sobre ellos. En algunas de las entrevistas se puede notar el gran trabajo de investigación que se realizó, al mostrar interminables pruebas, fetiches y lugares que los antigays visitaban –vaya en una grabación se escucha a uno de ellos pedir con una descripción muy definida como quiere al chico, y otro se comprueba la recurrente visita a páginas de contactos gay--, todo está presentado de una manera que hace alusión a la doble moral que acompaña a estor personajes. 

Épico el momento, donde se presentan interminables cuestionamientos hacía la sexualidad de los senadores de una manera directa y sin quisquillar, los reporteros preguntan: “no le vamos a preguntar sobre su reciente triunfo, si no qué ¿usted es gay?” mientras ellos se limitan a evitar las preguntas o sólo decir un rotundo no.

Cabe destacar que sólo el republicano, James MCgreevey es el que ha pasado a la historia en declararse abiertamente homosexual después de haberse casado y formar una imagen del matrimonio tradicional.

Outrage es una completa vulneración del derecho a la intimidad en aras de combatirn a la hipocresía, principalmente cuando a través de ella se atenta gravemente contra una minoría –ajá-- que ve como sus derechos y libertades son limitados o negados por quienes más deberían esforzarse en protegerlos. El documental cierra con un grande pro gay, Harvey Milk diciendo que si todos los homosexuales salieran del clóset el país no sería el mismo y la comunidad gay ganaría, evitando toda clase de atentados contra la diversidad sexual. Manera más que correcta para cerrarlo.

Diego S.

Match Point el retorno de Allen

"Aquél que dijo que es más importante tener suerte que talento, conocía la esencia de la vida. La gente tiene miedo a reconocer que gran parte de la vida depende de la suerte. Asusta pensar cuantas cosas se escapan a nuestro control. En un partido hay momentos en que la pelota golpea el borde la red y durante una fracción de segundo puede seguir hacia adelante o caer hacia atrás. Con un poco de suerte sigue adelante y ganas o no lo hace y pierdes"

Vaya saben que adoro a Woody Allen es uno de mis directores favoritos, así que quién crea que mi objetividad está mermada por mi admiración hacia él, pueden ir considerando mi crítica como "no útil". Pero la verdad es que para defender esta película no hace falta haber visto ninguna otra del mismo director, ni sentir ninguna simpatía por él. Es un film que se defiende sólo y qué ha gustado muchos.

La acción tiene lugar en Londres durante algo más de un año (2003/04). Narra la historia de un joven tenista, retirado de la competición internacional, establecido en Londres como profesor de tenis de un club de clases altas. Movido por la ambición, contrae matrimonio con Chloe (Emily Mortimer), hija de un rico empresario, pese a la pasión obsesiva que siente por Nola Rice (Scarlett Johansson), norteamericana, de 20 años, excéntrica, neurótica, fascinante, frustrada por el fracaso de sus deseos de triunfar como actriz, con pasión compulsiva por el sexo.

Se ha dicho que Matchpoint podría verse como una revisión de Crímenes y pecados. Sin embargo, aunque menos completa en cuanto a contenido, ésta resulta una película más enlazada y apasionante. Lo primero se debe a que el guión no se divide en dos tramas diferentes, sino que todo fluye hacia el final --demoledor final, por cierto--. Allen crea una de las historias mejor hiladas que se recuerdan. Lo segundo es consecuencia de que Woody maneja la trama como sólo un genio de su altura podría hacer, sabiendo dosificar los acontecimientos para que en ningún momento decaiga el ritmo. Sólo el inicio resulta un tanto lento y desconcertante, pero todo empieza a tomar fuerza a los pocos minutos.

Gran parte de la fuerza de la cinta lo aportan sus actores, en especial una Scarlett Johansson que lo da todo, su papel de mujer fatal es para ser justos, le viene como anillo al dedo, con esa imagen de mujer que aparenta ser fuerte para esconder su fragilidad. Además, la primera frase que pronuncia es magistral, quizá una de las mejores presentaciones de un personaje que se recuerdan. Jonathan Rhys Meyers se destapa como un gran actor, muy solvente aunque a veces sea demasiado contenido, seguramente con los años conseguirá esa cualidad tan escasa en los actores de hoy en día de equilibrar la contención y la "intensidad" –lo que conocemos como sobreactuar--El resto cumple muy bien, aunque Emily Mortimer a veces te empalaga por su actitud de tontita.

La música sustituye el jazz por fragmentos de óperas italianas --Rigoletto, La Traviata, Il Trovatore –no me sabía todas, así que tuve que goglear--, francesas y portuguesas, que marcan el desbordamiento de la pasión, la tragedia y la fatalidad. La fotografía se apoya en un dibujo sólido, de gran belleza, y en una paleta de colores crema y pastel que realzan la belleza rubia y clásica de Nola –jamás había visto un Londres tan soleado--. El guión, muy trabajado y cuidado, desarrolla un clímax dramático de gran fuerza, que culmina en una escena terrible. El humor, negro e irónico, está presente a lo largo del metraje, aunque en menor medida que en otros films del autor.

La provocación fue el regreso de Sir Allen después de su estrepitosa racha de “malas” películas según la crítica internacional. Una cinta imprescindible dentro la filmografía del intelectualoide de Woody.

Diego S.

UP una historia madura para cualquier tipo de público

Nada falta ni sobra en Up, revalida una división que ha convertido a la animación en un género plenamente considerado, y quizás, sin quererlo, a la Disney como una filial menor totalmente dependiente de una Pixar que tiene laborioso el superarse, el reto de ir allí donde nadie parece acercarse, la central motora de un instrumento eficaz que no espera detenerse, el carrusel fantasioso en donde montan niños grandes y adultos pequeños, aprendices incondicionales de unos magos sin varita, con un secreto guardado con la llave maestra de un reino insobornable. 

Up!! es una de esas maravillas tecnológicas a la que las limitaciones restrictivas del mero adjetivo difícilmente pueden reflejar, hacerle justicia con la banalidad de las palabras es insuficiente y nunca bastaría para englobar los logros fílmicos de una cinta sencillamente memorable, un poema móvil a dos tiempos, 1º visual (los fundamentos del color y la utilización digital de un sistema tridimensional que aumenta sus talentos), 2º narrativo (la implicación emocional hace olvidarnos por momentos de su condición de cine animado) que sobrepasa los límites de la aventura con una historia sin fugas adornada con destellos de hazaña novelesca (citas conmemorativas al serial clásico, Julio Verne, los buscadores de tesoros, Indiana Jones, el Capitán Nemo, el anime de Miyazaki), fusionados con una valiente parábola espacial sobre el paso del tiempo y la vejez inevitable de un Carl Fredriksen romántico e inquieto al cual el recuerdo de una perdida irreemplazable le hará embarcarse en su última gran excursión ambulante a las exóticas y salvajes selvas sudamericanas.

Todo, hay que verlo para creerlo, pero el prólogo casi mudo donde se resume la tierna relación de Carl y Ellie es una obra maestra dentro de una película inexcusable, parte viva de la era moderna, imaginario bellísimo de sensibilidad audiovisual y probablemente la cinta mas redonda de la, ya de por sí, magnifica antología Pixar. 

La música de Michael Giacchino, con un tema principal hermoso y significativo, melodías elegantes, de gran optimismo y diferentes estilos que cubren desde el sinfonismo grandioso, al suave lirismo, el jazz y ragtime. Los trazos físicos de nuestros dos ancianos antagonistas, un villano carismático, Charles Muntz con la voz original de Christopher Plummer y el rostro de un psicótico Kirk Douglas y Carl, un cascarrabias enternecedor en la onda de Walter Matthau o Spencer Tracy doblado por el actor Ed Esner.

Diego S.

Anticristo, retrato de la maldad humana

Muestra la vulnerabilidad del ser humano por medio de una mujer con una psique difusa y poseída por sus tragedias y placeres

Nunca confió en los directores que se autonombran el mejor de la historia o el que ha existido, esto lo menciono por la incoherencia que alguna vez dijo el danés, Lars Von Trier, a quien nunca he visto como un gran director a pesar de ser uno de los pioneros de la corriente Dogma 95 –corriente que no entiendo su existir---, y lo más gracioso aún, es que la película con la que me sedujo no fue en su técnica predilecta. Anticristo me cautivó. 

Para ayudar a su mujer a superar la muerte accidental de su hijo, un hombre, psicólogo de profesión, decide llevarla a una cabaña perdida en medio de un bosque, el lugar donde ella pasó el último verano con el niño. Pero la terapia no parece funcionar, y tanto ella como la naturaleza empiezan a comportarse de un modo extraño. 

En su momento cuando Anticristo se presentó en el festival de Cannes, lo único que me inspiraba a ver la película fueron las declaraciones de Charlotte Gaingsbourg, quien prometió nunca volver a trabajar bajo la batuta de Von Trier, junto a eso el morbo fue lo que me orilló a querer ver la película. 

No es fácil recrear una atmósfera perturbadora, siniestra e inquietante y mucho menos todas juntas a la vez. Lars, logró de manera majestuosa impregnar y transmitir al espectador un puñado de perversas emociones, sin recurrir a las clásicas técnicas del terror que buscan provocar al espectador con pésimos resultados. 

Pero ¿Qué tiene que ver el terror con el drama del danés? Terror es lo que provoca el anticristo, de igual manera que en la religión católica representa a la maldad pura, ¿maldad? Así es, la cinta es un ensayo sobre la maldad y la vulnerabilidad del ser humano, no esperen una película en el estilo del exorcista, Anticristo les causará más miedo que cualquier película sobre el demonio. 

Mis reacciones sobre el último trabajo de Von Trier fueron diversas, la secuencia del inicio me provocó que pensara en lo pretencioso que suele ser el director –pretencioso por la música, cámara lenta y blanco y negro--, pero a la vez me pareció bella y angustiante, una dualidad que se ve en imágenes, al mostrar de manera paralela el amor y la tragedia. 

¿Peor que una cinta de terror? Sí, Charlotte Gainsbourg es la maldad personificada, Lars, nos muestra la vulnerabilidad del ser humano por medio de una mujer con una psique difusa y poseída por sus tragedias y placeres, tornando un personaje enfermo. 

Anticristo muestra toda una evolución visual a lo largo del metraje, todo comienza con secuencias lentas y contemplativas, pasando a una transformación perversa repleta de escenas de tortura, sexo y mutilación –no bromeo al momento de decir perverso--. 

La película posee una precisión y una inventiva estética que se mantiene, a pesar de sus distintos cambios que se van inundando de maldad, logrando que su director creé un marco lleno de fuerza, coherencia y eficacia –Ya lo entenderán cuando la vean--. 

Al final, Anticristo, es un mero pretexto de su director para demostrar que el humano tiene algo de malicia dentro de él, y en el momento en que esta se despierta el hombre es capaz de cometer actos inimaginables, lo cual trasciende y al espectador nos inquieta y desasosiega. La maldad se hace imagen.

Diego S.

Capadocia la serie mexicana que está haciendo presión

En los últimos años se ha visto una gran demanda sobre las series de televisión, especialmente en México cuando se creía que la costumbre de ver telenovelas nunca iba a ser ensombrecida por ningún otro tipo de entretenimiento. Años atrás no sólo se ha visto un posicionamiento de las series televisivas extranjeras, si no que ya hay una gran gamma de dichas producciones realizadas en nuestro país. 

A estas alturas ya no es novedad que las televisoras nacionales estén dándole más importancia a una producción seriada, que a un melodrama diario. Punto y aparte del duopolio nacional televisivo, HBO la cadena americana de paga especializada en producciones con gran calidad decidió darles competencia con Capadocia, una serie completamente mexicana. 

Capadocia, es un drama dentro de un reclusorio femenil--un tema nada nuevo dentro del entretenimiento televisivo--, que trata de mostrar lo que se vive dentro de un lugar tan desconocido por muchos, pero aderezado por lo que todos conocemos, corrupción, drogas y violencia. Sí, no ofrece nada espectacular en el sentido del contexto narrativo, está integrada por un equipo de producción magnífico que cualquier producción nacional quisiera. Ana de la Reguera, Cecilia Suárez y Gustavo Sánchez Parra son parte de los actores, y si a esto le agregamos al director del Crimen del padre amaro, Carlos Carrera, no queda más que decir. 

Un lugar sin perdón es Capadocia, donde se narran las atrocidades que se viven en el reclusorio femenil y que sirven como metáforas para describir la actualidad de nuestro país. La series es una especie de mezcla entre Prision Break y Oz en femenino, donde siempre hay inocentes y verdaderas delincuentes, que tras las rejas se enfrentarán al encierro y a la lucha de poderes por el control interno de la prisión. Un gran punto a su favor, es el discurso político acerca de la defensa de los derechos humanos de las reclusas y el debate sobre el control y administración que el estado ejerce sobre los centros de readaptación social. 

Capadocia es una propuesta para agilizar las producciones de calidad en nuestro país, que resalta por su espléndido reparto así como su particular manera de romper con los temas dramáticos de telenovela en las series nacionales, además de ofrecer un mordaz contexto social digerible para cualquier persona, con variedad de personajes que resultan entrañables. La serie que ya cuenta con dos temporadas de doce capítulos cada una se prepara para su tercera, así que mientras prepárese para el final de la segunda temporada o para comenzar a disfrutarla.

Diego S.

El dato 

Capadocia toma el nombre de unas ruinas históricas de Turquía, donde se construyeron pequeñas ciudades subterráneas para defenderse de los árabes, el reclusorio está construido bajo tierra. 

Gran parte de la serie fue filmada en los sótanos subterráneos del desaparecido Toreo de Cuatro Caminos, y en varias partes de la ciudad de México.

Arrástrame al infierno el esplendor del cine serie B

Cinta completa perfectamente, sin estridencias ni lagunas de guión y ofrece un entretenimiento espléndido, además de aportar uno de los mejores títulos para películas de terror.

Señores: Raimi ha vuelto. Así de rotundo, así de sencillo. Algunos puristas puede que me linchen, pero yo me atrevo a decir que es lo mejor de él en años. Arrástrame al infierno es una dignísima vuelta al cine de terror de serie B mas añorado por los fans del género, y sobre todo de su director, porque conserva el inconfundible sello del mismo, y es patente en muchas escenas de la cinta. 

Christine Brown (Alison Lohman), ambiciosa apoderada de un banco de Los Ángeles, sale con un hombre encantador, el profesor Clay Dalton (Justin Long). El trabajo de Christine consiste en conceder préstamos hipotecarios. Un día la señora Ganush, una misteriosa anciana (Lorna Raver), va al banco para pedirle una moratoria, pero Christine se la niega, y la señora Ganush pierde su casa. La anciana decide entonces vengarse lanzándole una maldición que convierte su vida en un infierno. Ante la incomprensión de su escéptico novio, Christine busca la ayuda de un vidente (Dileep Rao) para salvar su alma de una condenación eterna. Intentando ayudarla a recobrar una vida normal, el vidente la guía en una frenética carrera para conjurar el hechizo. Pero las fuerzas del mal se acercan y Christine debe enfrentarse a algo impensable. 

La trama no es algo que no hayamos visto, pero pronto comprobaremos que el humor y el terror se van de la mano como siempre cuando este director se pone detrás de la cámara. Alison Lohman está bastante correcta, Justin Long está donde debe estar, y ya está: los sustos, el gore y las risas hacen el resto. 

Arrástrame al infierno te hará dar uno que otro salto, de la misma manera en que te sacará una risa, y de seguro quedarás sorprendido con el el fabuloso final –no exagero al decir fabuloso--

Raimi retorna con el género que lo vio nacer, rescatar el género de ésta manera tan elegante sólo se puede aplaudir. Dos horas de metraje que no se sienten, gracias a la atrapante historia y la correcta musicalización de Christopher Young. 

El único pero que le veo a la película es el triste cameo de Bruce Campbell, que si se le hubiera dado una participación más extensa, los amantes del cine de serie B se lo hubieran agradecido. 

La cinta mantiene el nivel en todo momento y además lo hace con buen pulso. No decae ni hay altibajos. Se completa perfectamente, sin estridencias ni lagunas de guión y ofrece un entretenimiento espléndido, además de aportar uno de los mejores títulos para películas de terror.

Diego S.

Lluvia de Hamburguesas se mofa de los desastres

Dentro de una ola de cintas animadas que ya por default viene con el 3D, es difícil saber cual de toda la oferta en realidad vale la pena. Lluvia de Hamburguesas no pudo aprovechar mejor la nueva tecnología tridimensional, en una historia sencilla y que entretiene en creces. 

El protagonista es Flint, un joven científico que sueña con inventar algo que le mejore la vida a todos sus vecinos. Tras muchos intentos consigue crear algo que realmente funciona: una máquina que hace caer comida del cielo. 

La cinta se mofa de películas de ciencia ficción como Armagedon, Tornado y Día de la Independencia, lo cual le da un giro distinto a la cinta basada en la novela homónima de Judi Barrett y abarca un panorama más amplio de espectadores. 

Como toda cinta animada enfocada en el público infantil, Lluvia de Hamburguesas también busca dejar algo positivo para su público meta, la relación padre e hijo. Flint siempre busca que su papá apruebe todo lo que él hace como inventor –su madre murió y siempre le dijo que confiaba en él--, el padre sólo lo desprecia. A causa de esta conflictiva relación, Flint resulta ser una persona sola y sin amor. Moraleja: como padre debes de apoyar a tu hijo en lo que el elija, ya que esto es fundamental. 

Lluvia de Hamburguesas posee grandes puntadas que te hacen reír a cada momento, para comenzar los inventos fallidos de Flint, la televisión con patas que sale corriendo, y las ratas pájaro que vuelan por toda la ciudad si a esto le sumamos la mascota de Flint, un mono que tiene un traductor para traducir cada uno de sus sonidos en palabras, este singular personaje da unos momentos graciosos, aunque pienso que pudieron sacarle más provecho. 

Original, luminosa, divertida y con unas cuantas bromas muy buenas, merece la pena dejarse mojar por esta lluvia y apreciar una propuesta que no busca ser tan profunda como suele hacerlo Pixar o ser sólo una cinta infantil más de Dreamworks.

Diego S.

Legión de Ángeles emociona más el trailer

Legión de ángeles decepciona al que busca terror de la misma manera al que adora la ciencia ficción.

Nunca se puede comparar un cinta realizada por Bergman con las hechas por Michael Bay, por eso el día de hoy me empeñé en buscar una película que no necesitara mucha atención y coco al momento de verla. Tengo que elegir mejor las cintas fáciles de ciencia ficción. Bay me agrada para palomear, de verdad me agrada mucho Transformers y un clásico de acción como Terminaitor. Está vez me aventuré a ver Legión de ángeles, una extraña cinta de acción y terror. No  criticaré una cinta palomera, de la misma manera que critico un trabajo de un director consagrado. 

El Apocalipsis desciende sobre la Tierra cuando Dios, decepcionado de la humanidad, manda a su Legión de Ángeles para acabar con ella. La única esperanza recae en el arcángel Miguel (Paul Bettany), líder de la Legión, quien en un cambio de eventos se volverá en contra de esta y de Dios para proteger a una mujer que dará a luz al salvador. 

Creo que con tanto efecto especial se perdieron en lograr hacer una historia congruente en lo que cabe, digo es ciencia ficción, pero aún así es necesario convencer al espectador de y mantener tu idea con ideas fundamentadas, vamos están pagando por ver tu trabajo, en Legión… todo es expectativas, te quedas esperando la ansiada batalla entre los ángeles y los seres humanos, cosa que jamás pasa. 

La cinta está llena de huecos y demasiados personajes de rellenos, primeramente jamás terminan una idea, la cinta sólo divaga. Los diálogos se ven tan rebuscados y sosos que te llegan a recordar a cualquier película tonta protagonizada por Adam Sandler. 

Lo único rescatable de la película son los efectos especiales y Paul bettany como el ángel Miguel –que recuerda a Arnonold del gobernator en la película con la que saltó a la fama--, que sólo cumple con su rol. 

Legión de ángeles decepciona al que busca terror de la misma manera al que adora la ciencia ficción.

Diego S.

quémese después de leerse

borrador 

Piel misteriosa un drama sin etiquetas

su acierto es tener los elementos fantásticos en la historia y la manera en que un solo acontecimiento marca la vida de dos personas

Las etiquetas no van para nada conmigo, pero bueno, el mundo necesita tener segmentado todo, en el séptimo arte no es la excepción, hay una parte del cine que se le llama cine gay o de ambiente. Dentro de ese sector sólo unas pocas me han robado la atención, sin que su tema central siempre sea la aceptación de la homosexualidad o la vida estilo Sex In The City versión gay. Happy together de Wong Kar Wai, por su sencilla manufactura y el gran director que la dirigió. La otra es la cinta Piel Misteriosa de Greg Akari. Mis razones se las daré a lo largo de la crítica. 

En 1981, Brian tenía ocho años y estaba sentado en el banquillo durante un partido de la liga juvenil de béisbol. Cinco horas después despierta en el sótano de su casa con una hemorragia nasal y sin recuerdos. Brian moja la cama y tiene pesadillas, también inventa: fue abducido por extraterrestres. Y pasa el tiempo, Brian llega a la adolescencia, torpe, acomplejado y entregado a la causa OVNI, también Neil, su compañero de infancia, se ha hecho mayor. Neil es la antítesis de Brian, él es sexy, jugador estrella y experto en juegos con hombres adultos con los que nunca se compromete. Mientras Brian encuentra en Avalyn Friesen, una discapacitada obsesionada con sus experiencias en la tercera fase, la posibilidad de asumir sus experiencias inhibidas, Neil huye a nueva York a rozar el lado peligroso. 

El tema de la pederastia aparece invertido: mientras uno de los niños conserva la experiencia positiva de los abusos a los que fue sometido –a uno le atraía sexualmente el entrador que abusa de él y acaba siendo un prostituto en su adolescencia-- al otro le supone un trauma en todos los sentidos --físico y mental--. Las escenas peliagudas están rodadas con planos subjetivos como si fuese a nosotros de quiénes abusase el entrenador porque Mysterious Skin utiliza la abducción como un elemento metacinematográfico y vía de escape de sus protagonistas. Todos estamos durante unos segundos dentro de esas torturadas pieles al otro lado de la pantalla. 

La actuación de Joseph Gordon-Levitt sobresale por su interpretación de un jovencito libertino y destrampado afectado por la irresponsabilidad de su madre, que de alguna manera busca el cariño no dado entre sesiones de sexo con desconocidos. Gordon-Levitt debió de haber sido reconocido –quizás no ganarlo-- por cualquier premio que se otorgó en ese año. 

Piel misteriosa no la catalogaría del todo en el ámbito de las cintas de “temática”, ya que la cinta no cuenta con un hilo conductor neto sobre la homosexualidad, su acierto es tener los elementos fantásticos en la historia y la manera en que un solo acontecimiento marca la vida de dos personas, logrando que sus vidas tomen un turbio camino. 

Cada una de las historias son un género distinto, si en la parte de Levitt se muestra un mundo crudo y oscurecido, del otro lado, todo es fantástico poco real y más iluminado, emulando a un triste sueño recurrente. 

Lo mejor de la película es su revelador final y el monólogo con el que cierran. Si la cinta puede llegar a desagradarte, su final es impactante, agresivo y violador –vamos estamos hablando de pedofilia y las “filias”, no se esperen algo enternecedor--. El discurso simbólico con el que cierra el personaje de Levitt y la cámara se eleva en ese plano cenital marcando la extra-abducción a modo de escape y fuga :

«Mientras estábamos allí escuchando los villancicos quise decirle a Brian que todo había pasado y que todo iría bien… pero era mentira y además no podía hablar. Desee que hubiera algún modo de volver atrás y de saltar el pasado… pero no lo había… No podíamos hacer nada… De modo que permanecí en silencio e intente comunicarle telepáticamente lo mucho que sentía todo lo ocurrido… Pensé en todo el dolor y la tristeza y la mierda de sufrimiento que hay en el mundo y eso me hizo desear escapar. Deseé con toda mi alma que pudiéramos dejar atrás este mundo… y elevarnos como dos ángeles en la noche y mágicamente… desaparecer…» Fundido en negro.

Diego S.